Rock'N'Blog

Tracks : Signs Of Life ; Learning To Fly ; The Dogs of War ; One Slip ; On The Turning Away ; Yet Another Movie/Round And Around ; A New Machine, Part 1 ; Terminal Frost ; A New Machine Part 2 ; Sorrow

Un homme assis sur un lit d'hôpital, seul sur une plage uniquement gardée par quelques chiens. Lorsqu'on déplie le vinyle, une infirmière apparait sur la gauche. Comme venant au secours de cet homme isolé qui semble perdu. Jolie métaphore de la situation dans laquelle se trouve Pink Floyd au milieu des années 80. Après la prise de pouvoir puis le départ de Roger Waters en 85 il ne reste plus grand chose d'un des plus grands groupes des années 70. Quelque chose s'est brisé derrière les briques du phénoménal et furieux mur bâti par Waters. Quelque chose qui a éclaté au grand jour avec Pink Floyd - The Final Cut (1983) . Le groupe n'en est plus vraiment un. Waters est parti mener sa carrière solo et Rick Wright a été viré. Ne reste plus que Nick Mason du groupe d'origine et Gilmour qui décide de devenir le troisième leader de Pink Floyd, après Barrett et Waters. S'en suit une longue bataille juridique avec Roger Waters pour savoir si le duo Mason/Gilmour (et Wright plus ou moins réintégré comme musicien additionnel) peut se produire sous le nom de Pink Floyd. Une bagarre qui tournera finalement en faveur du batteur et du guitariste. Mais pendant de longs mois, le nom de Pink Floyd n'a été utilisé que dans des prétoires et non sur scène. Et encore moins sur disque. Et David Gilmour, depuis sa péniche d'Astoria qu'il a reconverti en studio décide finalement de publier ses nouvelles compositions sous le nom de Pink Floyd, avec l'aide de Mason et Wright. Pour l'aider, Gilmour fait aussi appel à Bob Erzin, producteur de The Wall qui vient de refuser de travailler sur Radio K.A.O.S, nouvel album solo de Waters. A-t-il cependant fait le bon choix de préférer cette nouvelle mouture de Pink Floyd à son ancien bassiste en solo?

Dès l'instrumental d'ouverture Signs Of Life on sent que c'est bel et bien Gilmour qui a repris les commandes du Floyd. L'ambiance se fait immédiatement planante, portée par les bruits de rames qui s'enfoncent dans l'eau... La guitare semble prendre une direction qui rappelle un peu le son de Shine On You Crazy Diamond. Forcément de manière moindre, mais l'ambiance se pose, fluviale et douce. Quel dommage qu'il y ait quelques sons de production qui aient beaucoup vieilli, alors même que le Floyd a créé tant d'albums intemporels... Idem, là où Pink Floyd faisait par le passé des transitions à vous faire pâlir tous les groupes de rock, Learning To Fly tranche nettement dans l'ambiance instaurée par Signs Of Life sans aucune transition (l'album ne s'embarrassera d'aucune réelle transition d'ailleurs). C'est dommage car Learning To Fly (inspiré par les leçons de pilotage que Mason et Gilmour prenaient) est un excellent morceau, au très bon riff, avec une voix magistralement aérienne de Gilmour et à la production un peu grandiloquente (enfin après The Wall, c'est plutôt soft) mais efficace. Il servit de single à l'album et c'est en effet un des meilleurs titres de la galette.

Par contre The Dogs Of War est nettement plus discutable. C'est la seule tentative des deux albums où Gilmour mène le Floyd (celui-ci et The Division Bell) de créer un morceau agressif, comme savait les faire Waters. Et là, le bassiste manque cruellement, tant dans le chant (Gilmour est moyennement convaincant dans ce registre) que dans la tension créée dans le morceau. A part le solo de guitare (forcément impeccable), il n'y a pas grand chose à sauver dans ce titre, plutôt mollasson et loupé. Et ce même sans évoquer les chefs d'œuvres présents sur Pink Floyd - Animals (1977)...

Le passé... Dur de ne pas y penser en écoutant One Slip. Car si l'intemporalité des albums du Floyd explique encore en partie leur succès (Existe-t-il un album mieux produit dans les années 70 que le Dark Side of The Moon?), A Momentary Lapse Of Reason est lui définitivement ancré dans les années 80. Et ce One Slip accuse sévèrement le coup de son ambiance pop-rock années 80. Tout y est dans les effets de production, la structure du morceau (très typé pop-rock FM) le son de la batterie et des synthés. Alors certes ça reste de bonne facture, notamment grâce au chant de Gilmour, mais il faut aimer les sonorités des années 80 pour apprécier ce morceau. Hors ce n'est pas mon cas...

On The Turning Away renoue lui plus avec le Floyd qu'on connait, en gardant une certaine intemporalité et un style aérien superbe. Évidemment l'apothéose du morceau est le long solo de guitare qui le conclut... Si l'album peut paraître discutable, il y a au moins une chose dont on est sur à la fin de cette face A : David Gilmour est en forme et porte le projet à bout de bras.

Et c'est un autre instrumental qui relance la face B, comme Signs Of Life pour la face A. Yet Another Movie/Round And Around souffre néanmoins du même problème que One Slip. Trop ancré dans les années 80. Le morceau est néanmoins sympathique, sans être transcendant. Encore une fois la guitare de Gilmour fait quelques merveilles et l'ambiance se fait assez planante. Manque simplement un petit quelque chose qui rendrait le morceau vraiment bon, comme le seront ceux de The Division Bell 7 ans plus tard. Peut-être une plus grande implication de Wright aux claviers, lui qui est pour beaucoup dans le « son » du Floyd...

Passons sur les deux parties d'A New Machine, morceau très court uniquement composé de la voix de Gilmour a Capella reprise par un vocoder en écho. Minimal et expérimental (après tout le groupe était très expérimental à ses débuts), mais assez anodin néanmoins.

La face B est d'ailleurs dominée par des morceaux instrumentaux expérimentaux... Terminal Frost est un de ces instrumentaux, porté par une guitare acoustique, un saxo et beaucoup d'idées de production. Planant tout en étant un peu inquiétant et froid, cet instrumental refroidit vite une ambiance déjà assez glacée. Néanmoins comme un lac gelé ou un paysage enneigé, il recèle d'une beauté propre qui nous fait voyager...

De quoi nous mener vers l'apothéose finale d'A Momentary Lapse Of Reason, sa pièce finale : Sorrow. En exagérant à peine, A Momentary Lapse Of Reason se justifie pour 3 raisons : Learning To Fly, Terminal Frost et Sorrow. Ce morceau final au riff lourd et à l'ambiance entrainante est le plus long de l'album. Pourtant c'est celui qu'on sent passer le plus rapidement, tant il est majestueux, tant la voix de Gilmour est juste ici et tant l'alliance avec les sons des années 80 semble naturelle (malgré un son de batterie/boite à rythmes assez moche). Inutile de dire aussi que le solo de guitare final est un régal... Le morceau sera une pièce de choix dans le répertoire live du groupe pour les années suivantes (cf le live PULSE).

Mais si Sorrow et Terminal Frost laissent un bon souvenir à la fin de l'album, inutile de se voiler la face. A Momentary Lapse Of Reason n'est pas un album exceptionnel du Floyd. Très ancré dans les années 80, ce projet solo de David Gilmour maquillé sous le nom de Pink Floyd (Mason et Wright ne s'impliqueront vraiment que dans les concerts et pour The Division Bell) est même un des plus mauvais albums du groupe. Un des plus dispensables en tout cas, car il n'est pas non plus honteux. Il reste toujours supérieur à The Final Cut à mon goût ou au ridicule Radio K.A.O.S sorti par Waters la même année. Mais cette perte momentanée de raison n'est pas vraiment à la hauteur du mythe et il faudra attendre The Division Bell pour voir un album de Pink Floyd vraiment intéressant. Les années 80 ont été dures pour ce groupe...

10/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.   

Tracks : Rehab ; You Know I'm No Good ; Me & Mr. Jones ; Just Friends ; Back To Black ; Love Is A Losing Game ; Tears Dry On Their Own ; Wake Up Alone ; Some Unholy War ; He Can Only Hold Her

Difficile d'évoquer si tôt une telle disparition, alors même qu'on n'en connait pas encore les causes. Comme tant d'autres étincelles qui ont rallumées un instant la grande flamme de la musique, Amy Winehouse s'est désormais éteinte, samedi dernier à 27 ans. Back To Black. Retour au néant pour celle qui fut une des stars les plus fascinantes des années 2000, tant par sa musique que par ses frasques. Une fascination qui provient quasiment uniquement d'un seul album, une galette de ce noir qui lui a donné son nom : Back To Black. 34Min55 qui indéniablement ont changé la donne. Il n'y a qu'à voir Amy sur la pochette de Frank, son premier album. Lisse, sans tatouages, souriante et candide. L'album, bien que très plaisant, manque d'un souffle, d'une âme. Les chansons sont bonnes, la production efficace, la voix déjà merveilleuse, mais le propos semble encore dilué. Attendant comme... Un coup dur de la vie. Une séparation pour Amy en l'occurrence. Une dépression et une addiction terrible à l'alcool. On a voulu l'envoyer en cure de désintoxication. Sa réponse fut « non ». Sa réponse, celle qu'elle avait jugé bonne sur le moment, a été de s'enfermer en studio. Pour graver 34 min 55 de sa vie, de son âme. Back To Black.

Une âme noire comme le désespoir. Peine, addiction, amour éconduit, tout est contenu dans se second album. Le contraste est fulgurant avec Frank. Sur la pochette, Amy apparaît ici seule (contrairement à Frank où elle est accompagnée d'un chien). Seule, tatouée et ployant sous le poids de sentiments qu'on ne fait qu'entrevoir au fil de l'album. Des sentiments qu'Amy nous envoie en plein visage dès le fabuleux et désormais morbide Rehab. « They tried to make me go to rehab, and I Said « No, no, no ». Une claque musicale et sentimentale qui a propulsé l'album en tête des ventes. Une artiste déjà maudite avant même son éclosion. Le titre fera la gloire d'Amy, mais annonce déjà sa fin. Comment peut-on tirer une telle perle d'un sujet aussi glauque? C'est là toute la force de Back To Black, album résolument sans concessions mais qui conjugue sincérité, production magistrale et talent. Les paroles sont véridiques, la voix parfaite et les arrangements de cuivres et de cordes signés Mark Ronson donnent une ambiance sublime à l'ensemble. Un immense classique de pure soul, un genre qu'on croyait pourtant définitivement enterré en l'an 2000 par la Nu-soul ou le R'N'B. Un succès fulgurant. Et ce n'est pas Me & Mr. Jones, au son si Motown et qui rappelle les girls band des années 60 (les harmonies vocales) qui pourra me donner tort. A la fois rétro et moderne. Tout pour créer un morceau qui est à son tour devient un classique.

Et des classiques, Back To Black en contient à la pelle. Tous plus sublimes les uns que les autres. Tous plus sombres les uns que les autres aussi. Car le désespoir suinte de tous les sillons du disque. You Know I'm No Good ne relâche pas la tension après Rehab. Le titre est peut-être légèrement moins percutant (malgré un beat un peu hip-hop), mais toujours aussi sombre. Les cuivres semblent joyeux pourtant, mais le manque de son homme est poignant. Une classe immense pour ce classique que même la vétérante Wanda Jackson a repris cette année sur son disque The Party Ain't Over. Comme un hommage d'une pionnière du rock n roll à une Amy qui semble déjà tout dire sur ce second disque. Comment ne pas penser que tout est dit une fois le titre éponyme achevé? « We only say goodbye with words/I died a hundred times/You go back to her/and I go back, back to us »... Une chanson de désespoir absolu servie par cette mélodie à l'ambiance abyssale. Ces chœurs féminins qu'on entend à l'arrière de cette implacable avancée rythmique et cette descente de cordes ne font qu'apporter une dimension encore plus douloureuse à ce titre, qui est assurément le plus beau de l'album. Le plus poignant. Un chef d'œuvre que même les plus blasés apprécieront.

Et si sur certains morceaux, l'ambiance paraît moins désespérée que sur Back To Black, le propos reste pourtant amer et sombre. Love Is A Losing Game est doux... Mais doux et désabusé. Amy semble déjà avoir perdu et toute cette douleur ressort dans sa voix. Douceur désespérée... Une chanson à la fois fragile et forte, une contradiction que peu d'artistes ont maitrisé aussi bien qu'elle à cet instant précis. Est-ce cette maitrise des contrastes qui lui donnent une voix aussi forte lorsqu'elle chante Tears Dry On Their Own accompagnée par quelques « shalala » de ses choristes et qui sample Marvin Gaye (Ain't No Mountain High Enough)? Est-ce cette maitrise qui lui permet d'ainsi enchainer les classiques absolus?

Quel courage faut-il pour écrire un titre comme Wake Up Alone? « His face in my dreams sizes my guts/He floods me with dread/Soaked in soul, he swims in my eyes by the bed/Pour myself over him moon splitting in/And I Wake Up Alone ». La solitude crue dans toute sa véracité... Quiconque a déjà connu une rupture connait cette douleur qui colle à la peau pendant des matins interminablement gris. Mais elle est ici transformée en joyau noir par cette artiste de 23 ans.

Car Back To Black est un joyau. Un disque qui a marqué les années 2000. 35 minutes où la sincérité et le génie se sont rencontrés. Un disque vrai, sombre... Les paroles font mouche, parlent du vécu de cette jeune londonienne. La production de Ronson et les dons de compositeur d'Amy font le reste. Back To Black. La page va désormais se refermer sur Amy, partie rejoindre le fameux club des 27. Partie rejoindre Janis... Espérons simplement qu'elle y trouve une paix qu'elle ne semblait pas avoir trouvé depuis cette année 2006 où elle a gravé ce disque qui a immortalisé son nom. Même si on aurait préféré qu'elle n'enregistre pas cette fichue Rehab et dise oui à une cure qui peut-être l'aurait sauvée. Et qui lui aurait permis d'écrire encore des centaines de chansons enivrantes comme celles de Back To Black.

18/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.  

Tracks : Gimmie Some Good Times ; Dirt ; Street Hassle (Waltzing Matilda ; Street Hassle ; Slipaway) ; I Wanna Be Black ; Real Good Time Together ; Shooting Star ; Leave Me Alone ; Wait

Dans l'imaginaire rock, Lou Reed est le dépositaire d'un style de rock très urbain, crasseux comme le bitume, violent et sombre comme une ruelle sans lumière. Image héritée du Velvet Underground et du magistral The Velvet Underground - White Light / White Heat (1968) ... Mais pas uniquement. Lou Reed, (auto)proclamé poète des camés et des putes a en effet a son actif quelques albums très urbains, même en solo. Le plus célèbre étant probablement le sinistre et grandiloquent Berlin, mais un album comme New-York qui donne vie à la ville fétiche de Lou Reed est aussi un des incontournables de sa discographie. Et chaque période de sa (longue) carrière compte un de ses albums urbains et crasseux qui sentent le béton et la came. Après son départ de RCA, il signe chez Arista. Et c'est lors du deuxième album pour ce label (après le décrié Rock N Roll Heart) qu'il s'attaque à un nouvel album très urbain comme lui seul en a le secret. Le résultat, enregistré entre New-York et Munich paraitra en 1978 sous le titre de Street Hassle. De quoi égaler la magnificence des albums Berlin ou New-York?

Et dès l'ouverture Gimmie Some Good Times, l'ombre du Velvet plane. Difficile en effet de ne pas penser à Sweet Jane, dont ce titre semble être une parfaite recopie. Lou Reed qui s'autoréférence? Ce n'est pas vraiment la première ni la dernière fois... Et c'est bien le défaut de ce titre d'ailleurs qui s'il n'est pas mauvais (loin de là même), rappelle un peu trop sa glorieuse ainée pour vraiment me séduire.

Mais Dirt vient mettre rapidement les choses au clair. Les guitares sont distordues, sombres, lancinantes... Et Lou Reed impérial de méchanceté lâche toute sa verve contre son manager : « Your lack of conscience and your lack of morality/Well, more and more people know all about it». La distorsion et le son écrasé donne un aspect étrangement lancinant aux guitares rappelant un peu le Velvet ou les Stooges. Néanmoins Lou garde aussi certains aspects de sa carrière solo qui ont fait son succès : un piano (assez discret) et quelques chœurs féminins qui viennent conclure la chanson. Le tout est d'ailleurs enregistré en live en Allemagne et c'est à mon goût un des meilleurs titres de l'album, même s'il n'est pas à la hauteur de ce qui suit...

Car indéniablement, si Street Hassle a un sommet, c'est bien évidemment son titre éponyme, véritable cœur de l'album qui s'étale sur 11 minutes. On tient là un des titres les plus ambitieux de la carrière solo de Lou Reed, une œuvre passionnante découpée en 3 parties : Waltzing Matilda ; Street Hassle ; Slipaway. La ville se déploie, sombre et grouillante de vie... Lou Reed parle de la rue, des drogués et des prostituées, comme il sait si bien le faire. Pourtant, rarement le fond musical aura été aussi doux. C'est ni plus ni moins qu'un mini-opéra en 3 actes qui se dévoile à l'écoute. Il n'y a pas d'instruments de rock ici, seulement des cordes. Mais quelles cordes... A vous faire pâlir tous les Bowie et les John Cale de la Terre. Dans ce mini opéra, on voit défiler une femme se payant un jeune homme (Watlzing Mathilda qui dure environ 3 minutes 20), sur des paroles très explicites : « And Then Sha-la-la-la-la, he entered her slowly/And showed where he was coming from ». Un moment d'une grâce absolue, les cordes et la voix de Lou Reed étant d'une douceur à couper le souffle. La suite du morceau (la section Street Hassle qui dure environ 3 minutes 10) se fait plus sombre. Un homme (probablement un dealer) parle avec un autre homme (probablement le prostitué de la première partie) devant le cadavre d'une dame plus âgée qui vient de mourir. Watlzing Mathilda s'est donc conclu par un décès... La musique se fait un peu plus agressive (la basse fait son entrée de manière merveilleuse) et la voix de Lou Reed se fait extrêmement dédaigneuse. Le texte est d'ailleurs d'une morgue absolument géniale « But you know people get all emotionnal/and sometimes, man, they don't act rationnal you know/They think they're just on TV ».  La troisième partie (Slipaway qui dure environ 4 minutes) se fait plus douce amère avec un Lou Reed déclamant un poème moins centré sur l'histoire et qui musicalement est accompagné d'instruments un peu plus rock comme une batterie et peut-être même une discrète guitare. Cette partie est aussi très célèbre pour voir apparaître la voix grave de Bruce Springsteen qui lit quelques vers la fin du morceau (vers 9 minutes 03 jusqu'à 9 minutes 40 environ) et fait même à un allusion à Born To Run « You know tramps like us, we were born to pay ». Une participation non créditée (à l'époque Springsteen a des problèmes juridiques qui l'empêchent d'enregistrer), mais sympathique à signaler. Ça ne fait que renforcer la magnificence de ce long morceau en 3 parties...

Quel dommage qu'après une telle splendeur, la face B reparte avec un boogie assez lourdaud et insignifiant comme I Wanna Be Black. Un titre qui ne groove pas vraiment, dont les paroles sont crétines (je suppose que c'est du second degré) et dont les chœurs féminins sont vraiment assez foirés. Là encore un titre capté en live, mais vraiment inférieur à Dirt par exemple. C'est même un des plus mauvais morceaux de l'album et pas uniquement parce qu'il suit le titre éponyme

Je préfère légèrement Real Good Time Together, un titre nettement plus expérimental, avec un son de guitare très sale et tout en écho. Par contre malheureusement, les paroles et le chant de Lou Reed sont vraiment ridicules... Sa voix tremble et ses « na-na-na » stupides venant d'un aussi bon parolier laissent perplexes. C'est dommage car musicalement, ce morceau un peu sale est intéressant, surtout vers la fin, lorsque la batterie entre en action.

Shooting Star tout comme Leave Me Alone valent par contre nettement plus le détour, notamment grâce à un saxo distordu qui rappellerait presque les Sonics ou les Stooges en accompagnant un vrombissement de guitares impressionnant... Leave Me Alone est mon préféré des deux, notamment grâce aux soli de guitares vraiment très crades qui se mélangent avec le saxo et la voix enragée et assez détruite d'un Lou Reed qui n'en finit plus là encore de cracher sa colère et son mépris. Un titre qui n'est pas rappeler la fureur de Sister Ray par exemple... Le meilleur titre d'une face B assez terne malheureusement. Même la plus conventionnelle et pop Wait, même si elle est plutôt jolie et sympa se révèle moins prenante que Dirt, Street Hassle ou Leave Me Alone pour moi.

Street Hassle est en effet un album particulièrement inégal. Il contient deux très bons titres (Dirt et Leave Me Alone) et un titre qui est un des meilleurs de Lou Reed (Street Hassle) et qui occupe un quart de l'album. Mais le reste de l'album, malgré un son de guitare intéressant qui lui donne une certaine âme, oscille entre le moyen et le très dispensable. Street Hassle n'est donc pas un incontournable de la discographie de Lou Reed (pas comme Transformer, Berlin ou New York). Mais pour un amateur de l'ex-Velvet Underground, il y a néanmoins de très belles choses à trouver ici... De magnifiques pépites noires comme c'est si bien les faire Lewis Alan Reed.

13/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.    

Tracks : In The Flesh ? ; The Thin Ice ; Another Brick In The Wall Part 1 ; The Happiest Days Of Our Lives ; Another Brick In The Wall Part 2 ; Mother ; Goodbye Blue Sky ; Empty Spaces ; Young Lust ; One Of My Turns ; Don't Leave Me Now ; Another Brick In The Wall Part 3 ; Goodbye Cruel World ; Hey You ; Is There Anybody Out There? ; Nobody Home ; Vera ; Brings The Boys Back Home ; Comfortably Numb ; The Show Must Go On ; In The Flesh ; Run Like Hell ; Waiting For The Worms ; Stop ; The Trial ; Outside The Wall

Initialement, lorsque Roger Waters propose le concept de The Wall aux autres membres de Pink Floyd, le projet devait se découper en 3 volets : un album ( Pink Floyd - The Wall (1979) ), un film (qui sortit en 1982) et un gigantesque show scénique, plus grandiloquent encore que tout ce que Pink Floyd avait déjà fait. Ce qui en soit n'était pas un mince exploit, vu les lights shows qui ont fait la réputation scénique du groupe dès ses débuts. Les deux premiers versants de ce pharaonique projet furent une réussite : le disque est le double album le plus vendu de tous les temps (et une des plus grosses ventes de disques en général), et le film connut un succès public et critique à la hauteur de sa mégalomanie. Mais les shows ne connurent pas le même destin. Si Pink Floyd jouât The Wall en entier selon la volonté de Waters sur quelques scènes internationales, l'effort logistique et le manque de moyens technologiques eurent vite raison de cette série de concerts (qui fut néanmoins immortalisée par un album live). Quelques années plus tard, le Floyd dans sa formation classique éclate. The Wall reste entre les mains de Waters, qui le ressuscite en 1990 pour un concert événement à Berlin pour fêter l'anniversaire de la chute du Mur. Mais le plus démesuré des albums du Floyd devait longtemps hanter son créateur... A tel point que ce dernier, désespérant de ne pouvoir réunir à nouveau le groupe (Gilmour y serait farouchement opposé), se décide à jouer une dernière fois The Wall en public. 30 ans après sa parution, ce mur hante toujours Roger Waters et semble toujours autant d'actualité... Les évolutions technologiques (l'informatique au premier rang) offre peut-être enfin la possibilité d'apporter la touche finale à un projet vieux de 30 ans. La tournée fut triomphale en Amérique du Nord en 2010 et finit par arriver en Europe en 2011. 4 concerts parisiens étaient prévus, et votre serviteur, accompagné notamment de Jid et Nizouille (tous deux chroniqueurs ici à leurs heures perdues) était présent en ce 1er juillet à Bercy, pour célébrer comme il se doit l'édification d'un mur un peu particulier au milieu de Paris...

Pour être tout à fait honnête, The Wall est loin d'être un de mes albums favoris du Floyd. Même si je reconnais que c'est un album indispensable dans la discographie du groupe (et dans l'histoire du rock en général), je le trouve parfois un peu pompeux et ennuyeux et il signe pour moi le début de la fin du groupe. Néanmoins je trouve le film nettement meilleur, notamment parce qu'il aide à suivre l'histoire, chansons par chansons, ce qui rend l'album beaucoup plus cohérent. Et comment refuser de voir un album de Pink Floyd joué en entier par son créateur? L'impression de voir Pink Floyd sur scène... Un rêve éveillé pour quelqu'un de ma génération qui n'était même pas à l'état de projet lorsque The Wall est sorti. C'est donc fébrile que j'attends vers 20h le début du spectacle ce 1er juillet. Fébrile de ma rencontre avec un mythe comme Waters... Fébrile aussi de ma plongée dans le monde paranoïaque de The Wall comme l'annonce le mur géant à moitié dressé devant moi sur scène.

Clameur du public lorsque les lumières s'éteignent... C'est pourtant les miliciens fascistes qu'on retrouvera plus tard dans le concert qui nous présentent la marionnette décharnée de Pink, alter égo de Waters. Une présentation calme, comme une élégie funèbre. Le calme avant la tempête, avant que n'éclate la terrifiante In The Flesh? chanson surpuissante de démesure qui débute le show. L'imagerie fasciste qu'on retrouvera tout au long du concert nous happe tout de suite. Drapeaux frappés des deux marteaux croisés, miliciens habillés tout de noir, explosions, feux d'artifices, déluge de lumières... Et l'entrée de Waters qui se revêt finalement de cet uniforme qu'il retrouvera plus tard dans le show. Une entrée en matière absolument gigantesque et démesurée. Le genre d'extase sensorielle qu'on vit rarement. Et lorsque finalement une maquette d'avion se crashe dans un déluge pyrotechnique dans un pan du mur géant, on se dit qu'on va assister à un show d'une puissance probablement inégalée...

Mais toute la puissance du show n'est pas uniquement contenue dans les effets visuels magistraux. Car dès The Thin Ice, Waters impose une puissance émotionnelle incroyable à son spectacle. Sur l'écran commencent à défiler des photos d'hommes et de femmes morts au cours de guerres ou d'événements dramatiques. Eric Fletcher Waters, son père qu'il n'a jamais connu et qui est mort en 1944 en Italie est le premier d'une longue liste de visages qui défilent sous nos yeux... Deux guerres mondiales, révoltes Iraniennes (notamment celle de 2009), 11 septembre, Vietnam, Irak, attentats de Londres en 2005, Afghanistan... Autant de vies qui passent devant nos yeux. Autant de drames. Autant de briques dans le mur qui se monte devant nous, implacable. Ses visages seront aussi projetés sur le mur pendant l'entracte (située entre les deux disques initiaux soit entre Goodbye Cruel World et Hey You), et justifient à eux seuls le sublime Bring The Boys Back Home lyrique et émouvant au possible qui intervient vers la moitié de la deuxième partie du show. Tant de visages... Que les gars rentrent au pays, ce qui en ces temps de retrait des troupes en Irak et en Afghanistan prend une teneur particulière, bizarrement amère mais puissante. Amèrement sublime...

Une à une, les briques du mur sont apportées par une équipe de techniciens qui bâtit le mur en temps réel sous nos yeux durant l'équivalent du disque 1. C'est sur ce mur qui grandit que les images défilent, à la fois folles et revendicatrices... The Wall est une œuvre politique et si j'avais peur qu'elle soit restée coincée dans les années 80, Waters prouve une nouvelle fois qu'elle est plus que jamais d'actualité. Pour être honnête je m'attendais à ce que les images projetées sur le mur proviennent quasiment toutes du film de 1982. Mais finalement, si le film imprègne tout le show, beaucoup des images et des allusions sont très actuelles. La référence évidente à 1984 sur Mother (Big Mother Is Watching You avec une caméra qui tourne sur l'écran), les images très actuelles sur Bring The Boys Back Home, les références à Apple (Ibelieve, Ikill), Mercedes ou Shell (qui noient le monde dans Goodbye Blue Sky)... C'est un show vivant et aussi terrifiant qu'il y a 30 ans dans lequel nous pénétrons. Les briques de ce terrifiant mur ne manquent pas...

Évidemment, il y a aussi les hits. Superbes The Happiest Days Of Our Lives et Another Brick In The Wall Part II qui fait intervenir une chorale d'enfants et la marionnette géante du si terrifiant professeur... Quasiment 10 minutes de transe au son de ce hit intemporel et indémodable. Évidemment, il y aussi la terrifiante Mother, que Waters joue en playback (il l'avoue très franchement et directement durant le show, et indique que son chant vient d'un concert de Pink Floyd à Earls Court en 1980) sur laquelle intervient une marionnette géante de cette mère sur-protectrice qui nous enferme à la manière d'un Big Brother dans un monde paranoïaque... Évidemment on retrouve la magnifique Goodbye Blue Sky, pessimiste sur notre avenir, ou la glaciale Hey You qui ouvre la deuxième partie du concert. Et bien sur, il y a Comfortably Numb, surement LE moment du concert que beaucoup attendent. C'est sur ce morceau que Gilmour est apparu il y a quelques semaines pour jouer le solo de guitare à Londres. Ce soir point de Gilmour à l'horizon, mais la langueur suicidaire du titre est absolument sublime... Et le guitariste qui assure le solo est absolument excellent, jouant à la perfection toutes les parties de guitares de l'album, et nous gratifiant de magnifiques soli sur Comfortably Numb (tout comme sur Another Brick In The Wall Part II et Mother). Le chanteur qui assure aussi toutes les parties de chant de Gilmour durant le show a une voix qui ressemble assez incroyablement à l'ex-Floyd et chante aussi excellemment bien. Avec son jeu de lumière absolument sublime contre le mur, Comfortably Numb est un des nombreux points forts de ce show totalement grandiose.

C'est aussi à partir de Comfortably Numb que le show arrive à son apothéose : le délire mégalo maniaque de Pink qui se prend pour un dictateur fasciste. Quiconque a vu le film comprendra. Si scénaristiquement ce passage de l'album me laisse toujours un peu dubitatif, c'est clairement un moment extrêmement jouissif en concert. Hurler avec une foule en délire qui salue Waters en croisant les bras (comme deux marteaux qui se croisent, on retrouve ce salut dans le film) tandis que le fameux cochon volant d'Animals survole la foule et que résonnent In The Flesh et Run Like Hell a quelque chose d'incroyablement galvanisant... Une transe commune au delà des mots. Une expérience musicale incroyablement forte comme rarement on en croise en concert. Et lorsque The Trial commence (en utilisant par contre que des images du film ou presque), la transe est à son paroxysme. La fin est proche. Il faut détruire le mur. La foule scande "Tear Down The Wall" en délire... Et finalement, il s'effondre sous nos yeux. Pink s'éveille... Tous les traumatismes sexuels, guerriers et affectifs restent gravés en lui et en nous, mais le show se finit par une note d'espoir : Outside The Wall joué par toute la troupe de musiciens en acoustique devant le mur. Chaque musicien est présenté par Waters et acclamé, et c'est finalement une ovation qui attend le créateur de ce mur si grandiose. Roger qui lâche d'ailleurs des sourires à n'en plus finir et que je soupçonne d'écraser une larme en quittant la scène.

Et à vrai dire, c'est plutôt à nous de verser une larme et de le remercier pour ce concert absolument grandiose qui est probablement le plus grand et le plus incroyable show que j'ai jamais vu de ma vie. Une expérience sensorielle unique... Une brique de plus dans la légende de Pink Floyd.

Moi-même.

PS : Pour ceux qui n'ont pas eu la chance de voir cette série de concerts, il est probable qu'un dvd sera fait (en tout cas la rumeur court, notamment sur le show de Londres où Gilmour et Mason sont apparus), et il est en tout cas possible de voir le show de Chicago 2010 en qualité dvd ici : link. Sinon il existe un bootleg audio du 30 mai à Paris qui est trouvable dans la rubrique téléchargement directs de l'excellent site Seedfloyd : link

PS2: Il y a eu quelques petites chansons supplémentaires durant le show aussi qui ont été intégrées aux chansons de l'album. Je n'ai mis que le tracklisting de l'album au dessus.

En cette soirée de solstice d'été, Nizouille et moi avions rendez-vous au jardin botanique de Reykjavik. La nuit la plus courte de l'année équivaut ici à un soleil encore flamboyant vers minuit. Cela fait déjà plusieurs semaines que la nuit n'est d'ailleurs pas tombée sur l'Islande. Mais après tout ce n'est pas une raison pour ne pas célébrer comme il se doit ce tournant de l'année. Aller assister à un concert dans le café du jardin botanique (Café Flóra) semble donc une idée réjouissante, d'autant plus que c'est la chanteuse de folk Ólöf Arnalds qui y joue ce soir. Drôle d'idée que donner un concert dans un jardin botanique... Mais idée plutôt séduisante en fait, vu la musique de cette chanteuse islandaise qui lorsqu'elle ne joue pas avec Múm compose un folk acoustique très féérique. Une ambiance maison et coin du feu qui imprègne son album Innudir Skinni et qu'on espére retrouver ce soir au milieu des fontaines et des plantes de ce café. De quoi célébrer joliment ce jour le plus long de l'année?

De tous les lieux de concert dans lesquels je suis allé, je dois bien reconnaître que ce café est pour le moment le plus atypique. Une serre réaménagée avec une fontaine et un grand bassin central, des plantes courant un peu partout et quelques tables et chaises donnant l'impression d'être dans un jardin... Lorsqu'un chat se ballade entre les tables, on se dit qu'on est quasiment à la maison. Une impression qui restera tout le long du concert pour d'autres raisons d'ailleurs. Mais ce lieu charmant a fait son effet et son calme, sa beauté et le bruit des fontaines ont posés une jolie ambiance pour ce concert.

Ce qui laissait présager du meilleur. Néanmoins, l'entrée en scène d'Ólöf a été ratée. Entamant par une chanson visiblement dédiée à quelqu'un dans la salle (anniversaire?), elle a poursuivie avec un morceau dont elle ne retrouvait plus les paroles. Elle a dû arrêter la chanson à plusieurs reprises en blaguant avec le public et l'a finalement abandonnée... Malgré sa grande décontraction et l'indulgence évidente du public islandais (qui riait de bon cœur à ses blagues et semblait apprécier tout de même), le début du concert est donc particulièrement laborieux. Les choses décollent vraiment lorsqu'elle attaque le titre Innundir Skinni, qui crée une très belle ambiance, digne de l'album du même nom... Et le fait qu'elle enchaine les deux chansons suivantes (Allt I Guddi et Vinkonur si je ne m'abuse) sans parler au public aide à maintenir cette ambiance féérique qui semble même charmer les poissons. Assurément le meilleur moment de la soirée, celui où le concert reste cadré avec ce qu'il faut de concentration de la part d'Ólöf pour nous faire voyager. Moment charmant évidemment coupé par une entracte, chose dont raffolent visiblement les islandais.

Lorsqu'elle reprend, les choses en reviennent vite là où on les avait laissées et la seconde partie s'annonce aussi charmante que l'était la fin de la première. Mais malheureusement Ólöf parle beaucoup... Vraiment beaucoup. On se demande parfois si on a affaire à une chanteuse ou à une humoriste. Ce n'est même pas à cause de l'Islandais. C'est juste qu'à la longue, elle finirait presque par plus parler qu'elle ne joue. Rien de tel pour casser l'ambiance. Je suppose qu'ici c'est le français qui parle. Non pas que je sois particulièrement fier d'être français (en fait si, pour la bouffe, le vin et Baudelaire), mais je suppose que j'ai vu ce concert avec les yeux d'un français. Là où j'attends d'un concert qu'il soit un minimum une performance, les islandais ne voyaient visiblement qu'un petit concert sympathique entre amis, sans pression, sans enjeux. Rien d'autre qu'un prétexte à se réunir dans un jardin botanique à boire du vin et à écouter une amie jouer de la musique... Ce n'était peut-être que ça après tout. Mais pour moi (tout comme pour un autre français que je ne connaissais pas mais qui était assis juste à l'opposé de moi et qui avait l'air aussi dubitatif que moi), ça n'était pas que ça. J'attends d'un concert une ambiance, de la concentration et qu'au moins la chanteuse connaisse les paroles de ses chansons. Et qu'elle évite de parler tout le temps, notamment quand elle oublie ses paroles. Car la dernière chanson de la deuxième partie a aussi été arrêtée car Ólöf ne retrouvait plus les paroles. Deux chansons dans un même concert (assez court qui plus est) qui subissent ce traitement, ça laisse dubitatif. C'est dommage d'ailleurs, car les quelques chansons en anglais qui émaillaient la deuxième partie du concert étaient plutôt plaisantes, notamment le premier morceau a cappella qu'elle a chanté.

Après, il faut par contre dire que la dame chante particulièrement bien. Sa voix est absolument superbe et son chant a été impeccable de bout en bout. Et certaines de ses chansons sont de véritables délices comme Innundir Skinni, Vinkonur ou la très jolie et efficace Vinnur Minn aux « la la la » entêtants qu'elle a joué en rappel. Finalement, le reproche que je ferais à ce set, c'est peut-être sa trop grande décontraction. Je m'étais déjà fait la remarque lorsque j'avais vu Amiina il y a quelques mois. Peut-être est-ce parce que les islandais sont chez eux à Reykjavik? C'est possible. En tout cas, même si ça aurait pu être nettement mieux, c'était une agréable façon de passer cette soirée de solstice. Et c'est surtout une bonne occasion pour aller découvrir ou réécouter son deuxième album Innundir Skinni, bien au dessus de cette prestation live légèrement décevante à mon goût.

Moi-même.