Rock'N'Blog

Tracks : Dive ; Sliver ; Stain ; Been A Son ; Turnaround ; Molly’s Lips ; Son Of A Gun ; (New Wave) Polly ; Beeswax ; Downer ; Mexican Seafood ; Hairspray Queen ; Aero Zeppelin ; Big Long Now ; Aneurysm

Qui aurait pu parier sereinement sur l‘avenir de Nirvana en 1990 ? Peu de gens, je suppose. Car si Nirvana - Bleach (1989) n’est pas un mauvais album (loin de là), il est loin d’être annonciateur de la légende que deviendra le trio de Seattle quelques années plus tard. Et pourtant, il faut saluer le flair des gens de chez Geffen, suffisamment habiles pour débaucher Nirvana du petit label indépendant Subpop, qui détenait les droits des premiers enregistrements de Nirvana. La major fut en outre suffisamment intelligente pour allouer au groupe les services du producteur Butch Vig. Ce qui malgré les protestations des fans et de Cobain, n’est ni plus ni moins qu’un éclair de génie.

1991 : la tournade Nevermind est passée. Emmené par quatre singles majestueux (Smells Like Teen Spirit ; Come As You Are ; Lithium ; In Bloom), le disque cartonne et remet le rock à guitares à la mode pour de longues années. Pourtant l’histoire de Nirvana, et à fortiori du grunge, n’a pas commencé avec Nevermind, ou même Ten de Pearl Jam. Bien vite, les fans du trio formé par Kurt Cobain, Krist Nosovelic et Dave Grohl s’intéressent aux premiers enregistrements du groupe, gravés chez Subpop. Bleach bien entendu, mais pas uniquement. Des pirates sur les premiers enregistrements du groupe se mettent à circuler sur le marché noir. Au grand désarroi de Cobain qui juge ces bootlegs de mauvaise qualité, et prend la décision de publier officiellement une compilation qui regrouperait divers enregistrements de l’époque Subpop, ainsi que certains de chez Geffen. Le label indépendant ne se fait pas prier et très vite un accord est trouvé. La compilation, nommée Incesticide est publiée le 14 décembre 1992 sous une pochette dessinée par Cobain, et un an après Nevermind, vise à poursuivre la folie Nirvana. Avec succès ?

De manière très normande, je dirais oui et non. Car Incesticide est clairement un disque de transition pour Nirvana, qui ne l’a d’ailleurs pas pensé en tant qu’album. Il y a de tout ici, des morceaux relativement expérimentaux aux bombes pop-grunge que le groupe enfilait comme des perles entre 1991 et 1994. Le début du disque fait d’ailleurs la part belle à des morceaux qui auraient pu faire des singles tout à fait satisfaisants. Derrière la production lourde de Butch Vig et ses grosses guitares, Dive est par exemple un morceau plutôt bien écrit, assez lancinant et plaisant. Il aurait pu se trouver sur Bleach, mais il annonce quelque part déjà la suite de ce que sera Nirvana : un groupe de pop qui se cache derrière de grosses guitares.

Une impression renforcée par les morceaux suivants, le tubesque Sliver en tête. Là clairement, ce titre aurait pu se trouver sur Nevermind ou In Utero. C’est une véritable bombe pop, bien composée (ce refrain !), porté par une très bonne ligne de basse et où la rage du groupe, conjuguée au texte très personnel de Cobain (qui évoque ici le divorce de ses parents) fait littéralement des merveilles. Un clip fut même tourné pour ce morceau, mais ne fut jamais utilisé, et c’est bien dommage tant il mérite de figurer parmi les meilleurs titres du combo. On le retrouve d’ailleurs sur le best-of, ce qui est on ne peut plus logique. Une des pépites cachées du groupe.

Il en va de même pour Been A Son, morceau assez bref et peu connu du trio, mais qui est clairement excellent. Tout comme Sliver, ce morceau est clairement pop : le refrain est dévastateur, se retient vite et bien, et les instruments sont bien équilibrés entre guitares lourdes et rythmique carrée (notamment la batterie assurée ici par Dave Grohl). Le chant de Cobain achève de nous conquérir sur ce titre enregistré le 9 novembre 1991 à une BBC Session pour Mark Goodier. Aneurysm, qui conclut le disque et qui a été enregistré lors de la même session démontre bien qu’au-delà de ceux de Nevermind, Nirvana avait composé un bon nombre de très grands morceaux en 1991.

La compilation est aussi complétée avec trois reprises, jouées lors d’une autre BBC session du 21 octobre 1990 pour le légendaire DJ anglais John Peel. Il s’agit de Turnaround (du groupe Devo), de Molly’s Lips et de Son Of A Gun des Vaselines. On le sait, Nirvana a été doué tout au long de sa carrière pour faire des reprises. C’est le cas sur Nirvana - Unplugged In New York (1994), mais c’est aussi déjà le cas ici. Ces reprises sont extrêmement plaisantes, notamment la très belle et très connotée Molly’s Lips qui semble parler de drogue. Son of A Gun est aussi un très bon morceau, et au final le moins qu’on puisse dire, c’est que Nirvana était très à l’aise pour jouer les morceaux des Vaselines (Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam sur l’Unplugged est aussi d’eux) !

La suite se fait avec une version alternative de Polly assez intéressante, plus rapide et électrique que celle de Nevermind mais qui est à mon sens inférieure à l’originale ou à celle de l’Unplugged.

Le dernier tiers du disque (Aneurysm excepté) est composé de six morceaux assez punks dans l’âme, enregistrés entre janvier 1988 (Beeswax ; Downer ; Mexican Seafood ; Hairspray Queen et Aero Zeppelin) et les sessions de Bleach en décembre 1988 et janvier 89 (Big Long Now). Je dois bien avouer que c’est à ce moment là que je décroche d’Incesticide. Cette facette punk et juvénile de Nirvana ne me passionne pas outre mesure, à l’exception du lancinant et intéressant Big Long Now, qui aurait vraiment pu se trouver sur Bleach. Un album que je n’apprécie pas outre mesure, même s’il reste tout à fait correct. Et ces morceaux du début de Nirvana sont à mon gout assez laborieux et au final assez dispensables, à moins d’être un fan absolu du combo…

Voilà qui gâche donc un peu mon appréciation globale d’Incesticide. Ce qui est dommage. Car clairement, on a affaire ici à une bonne compilation, complète et instructive, mais qui bat un peu le chaud et le froid. D’un coté, il y a de vrais bons morceaux, notamment ceux enregistrés après 1990, et quelques pépites méconnues du groupe (Sliver ; Dive ; Been A Son ; Aneurysm). Les reprises sont aussi extrêmement agréables. D’un autre coté, la compilation couvre les premiers enregistrements du trio, et là clairement j’en suis moins friand. Néanmoins, si Nevermind et In Utero restent largement meilleurs, un amateur du groupe gagne clairement à poser une oreille sur Incesticide, tant il contient de bonnes choses. Pour fans.

13/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.

Dans la grande famille des groupes garage de San Francisco, deux noms ressortent le plus souvent : Ty Segall, la star montante de 25 ans, et les gourous de cette scène, Thee Oh Sees, menés par le charismatique guitariste John Dwyer, qui est aussi le fondateur du label Castle Face Records, qui héberge l'immense majorité des groupes de garage de la ville. Inutile de dire que voir Thee Oh Sees ou Ty Segall à un prix modéré à quelques minutes de chez moi était de l'ordre de l'impensable. Et pourtant...

Pourtant Thee Oh Sees est venu avant-hier poser ses valises au Temps Machine à Joué-Les-Tours dans la banlieue de Tours pour un concert qui devait rester dans les annales. Accompagnés d'Enablers et d'un autre groupe du label In The Red Records, The Intelligence, les Thee Oh Sees avaient pour mission de littéralement dynamiter la salle, sous peine de faillir à leur excellente réputation scénique. Et à l'engouement que leur musique suscite chez votre humble serviteur.

C'est Enablers qui démarre le bal dans le club du Temps Machine. Le duo américain, formé d'un chanteur/hurleur/poète et d'un guitariste électrique, dégage une aura particulièrement étrange... D'ailleurs, je dois bien avouer que je n'ai absolument rien compris à ce concert. Les hurlements du chanteur, complètement en transe (et probablement très chargé) semblaient n'avoir aucun rapport avec l'ambiance de la guitare et l'ensemble sonnait particulièrement minimal et assez cacophonique finalement... Il a fallu attendre les quatre derniers morceaux où un batteur présent dans le public est monté sur scène pour qu'enfin l'ambiance décolle un peu... Sans pour autant me convaincre. Même l'ajout de deux guitaristes supplémentaires sur les deux derniers morceaux (le groupe comptant trois guitares, une batterie et un chanteur au final), s'il apportait indéniablement une ambiance psyché plus plaisante, n'a pas suffi à me convaincre. Non vraiment, ce concert devait être trop extrême et cérébral pour votre humble serviteur...

La suite de la soirée se passait dans la grande salle du Temps Machine, d'une taille bien plus adaptée pour recevoir les deux groupes de San Francisco. C'est le quatuor The Intelligence qui a ouvert le feu en premier. Signé sur In The Red Records, le groupe mené par Lars Finberg, chanteur/guitariste tiré à quatre épingles ressemblant à Tintin (et portant une sangle de guitare au motif du drapeau français) et qui s'avère être aussi le deuxième batteur de Thee Oh Sees est bien conforme à ce qu'on peut attendre d'un groupe de ce label. Le son est du pur garage rock, mâtiné d'un peu de pop et de surf rock (l'influence d'un groupe comme les Thrashmen me semble indéniable). Les morceaux ne dépassent pas souvent trois minutes au compteur et sont joués pied au plancher dans une urgence qui se communique vite à l'ensemble de la salle. L'ambiance monte vite au gré de la succession de morceaux parfois très lo-fi, malgré un coté nettement plus pop que certains de leurs comparses de label (Thee Oh Sees en tête). C'est efficace, carré, certains titres trouvant parfois une touche un peu plus psychédélique et durant un peu plus longtemps en bouche, et clairement, ce groupe sait y faire. Entre garage, pop, surf-rock, ce groupe au son légèrement sale livre une prestation impeccable. Une première partie de choix pour la bande de John Dwyer. L'album Fake Surfers, très psychédélique et lo-fi, est tout à fait recommandable même s'il ne correspond qu'assez peu à la prestation que j'ai vu.

C'est finalement Thee Oh Sees qui prend le relai après la bière réglementaire dans une salle déjà bien chauffée par The Intelligence. Les quatre musiciens se placent très près du bord de la scène (avec la batterie placée au milieu du groupe, au premier rang, ce qui est assez rare comme configuration), et se lance d'entrée de jeu dans un set furieux avec The Dream, un des meilleurs morceaux de leur album référence, Carrion Crawler/The Dream. Si la salle avait déjà été bien amadouée par The Intelligence, ce premier morceau des Oh Sees va littéralement la chauffer à blanc. C'est bien simple, dès les premiers accords du morceau, tous les premiers rangs se sont lancés dans une danse frénétique, pogotant et slamant à qui mieux, comme si une immense transe frénétique commençait. C'était le cas quelque part.

Le charisme de John Dwyer, grand californien blond habillé comme un sac et tatoué de partout est évident. Son chant strident avec beaucoup d'onomatopées, bien aidé par le contrepoids du chant de la claviériste Brigid Dawson rend le concert d'emblée complètement taré. Ce chant dingue, entre glapissements, chœurs enfantins et cris instaure une ambiance de folie complètement communicative, qui rappelle d'ailleurs un peu les Cramps. Le jeu frénétique du batteur et les riffs épileptiques des guitares (dont une sonne très bas, remplaçant ainsi la basse), tranchants comme des rasoirs font le reste. On a affaire à un gang de grands malades. Et ce soir, personne ne devait ressortir sain d'esprit de ce concert. On remerciera d'ailleurs le Temps Machine d'avoir laissé le groupe jouer à un volume sonore très appréciable (c'est à dire fort pour ce genre de musique).

Passer le préliminaire épileptique et métallique du premier morceau (une putain de claque dans la gueule de 8 minutes environ), les Oh Sees ne vont pas lâcher le morceau. Chaque (long) morceau est plus déjanté, psychédélique et tranchant que le précédent. Le public ne s'y trompe d'ailleurs pas, et chaque moreau est accueilli par des cris, de gentils pogos et des danses plus frénétiques les unes que les autres. Il est strictement impossible biologiquement de ne pas sentir son corps réagir à cette musique. Le public va d'ailleurs improviser pendant un morceau une chenille (ça doit être la french touch) et même une pyramide humaine qui fera bien marrer le batteur... Beaucoup de morceaux de Floating Coffin, leur dernier très bon disque en date (sachant que ce groupe sort au strict minimum un disque par an, parfois deux), sont incorporés dans la setlist, notamment I Come From The Mountain, Minotaur, Toe Cutter et dans mon souvenir Strawberries 1+2 (je ne mettrai pas ma main à couper sur ce dernier ceci dit). Et tous ces titres sont brillants et se mélangent très bien avec quelques titres plus anciens (enfin qui ont deux ans) comme ceux issus du génial Carrion Crawler/The Dream, tels que Contraption/Soul Desert.

La frénésie du concert est encore renforcée lorsque le chanteur de The Intelligence, Lars Finberg vient installer une deuxième batterie pour accompagner le groupe pour environ la moitié du show. Deux batteries, deux guitares affutées comme des rasoirs, une percussionniste/claviériste/chanteuse et la fièvre n'en finissait plus de monter.

 

Non vraiment, même si je n'ai malheureusement pas trouvé de setlist sur le net, ce show avait vraiment tout d'un immense concert (peut-être le concert de l'année pour moi? Pour le moment, c'est sur). Aucun temps mort là dedans, une musique complètement folle et idiote et donc complètement jouissive, des musiciens qui sont visiblement contents d'être là (Dwyer semblait bien tripper à dire « merci beaucoup » en français), que demander de plus? Rien. En 2013 le garage rock se porte définitivement bien. Et que ce soit sur scène ou sur disque (l'achat de Floatting Coffin en vinyle à la fin du concert me le confirme), les groupes de San Francisco sont définitivement les plus excitants du moment avec Tame Impala, Jim Jones Revue, Jacco Gardner ou Pond. J'attends le nouveau Ty Segall avec d'autant plus d'impatience, sachant que le bonhomme sera avec White Fence et Thee Oh Sees à Paris en juillet. Ce sera peut-être définitivement le concert de l'année, mais pour le moment, je me contenterai de remercier le Temps machine d'avoir programmé Thee Oh Sees à coté de chez moi. Merci pour la claque, je reviendrai.

Moi-même.

Tracks : Vertigo ; Death on the Stairs ; Horrorshow ; Time For Heroes ; Boys in the Band ; Radio America ; Up The Bracket ; Tell the King ; The Boy Looked at Johnny ; Begging ; The Good Old Days ; I Get Along ; What a Waster ; Mockingbird/Mayday

En février 2002, les Strokes se produisent à Londres. Nouvelle révélation rock venue des États-Unis, le groupe est souvent comparé au phénomène Nirvana, qui a eu lieu 10 ans plus tôt. Et comme Nirvana dans les années 90, les Strokes suscitent des vocations dans leur sillage, comme ce groupe qui fait leur première partie lors de ces shows de février 2002, qui répond au nom de The Libertines. Signé sur le label Rough Trade en décembre 2001, le combo est alors en pleine construction, cherchant à la fois son style musical et son image. Pourtant, se dégage déjà le charisme des deux leaders, Carl Barât et Pete Doherty qui se partagent les guitares et le chant. Ces deux là ne se sont pas appréciés de prime abord. Et leur relation sera une des plus tumultueuse du rock anglais depuis le couple Jagger/Richards. Mais le duo n'en est pas encore là. Il faut attendre une tournée en première partie des Vines au printemps 2002, pour que le groupe (complété avec Gary Powell à la batterie et John Hassall à la basse) commence à vraiment faire parler de lui. La sortie du single What A Waster, produit par Bernard Butler de Suede est une révélation pour l'Angleterre. Sans aucune promotion télévisée, le groupe pourtant indé se hisse jusque dans le top 40 britannique. De quoi faire rêver nos libertins... Et de quoi attirer l'attention d'un des papes du punk Anglais, Mick Jones, ex-guitariste des Clash. C'est avec lui qu'ils décident d'entrer en studio pour élaborer leur premier album, Up The Bracket. Un accouchement au forceps, car Barât et Doherty se disputent et manquent de tout foutre en l'air. Mais finalement, l'album sort le 14 octobre 2002. De quoi devenir pour les Libertines la réponse anglaise au renouveau du rock américain emmené par les Hives et les Strokes?

"Not since the Clash has a band evoked so precisely the grime and thrill of young London." écrira Blender Magazine. Il n'y a pas eu depuis les Clash un groupe évoquant aussi précisément la saleté et les frissons de la jeunesse Londonienne. La remarque est judicieuse. Très judicieuse, voire même un peu trop. Car forcément, les comparaisons sont faciles à faire. Rien que les pochettes semblent se répondre (celle-ci montre la police anti-émeute argentine alors que celle des Clash montraientle groupe soudé comme un gang). Et forcément la présence de Mick Jones sur Up The Bracket ne fait que renforcer ces liens entre  The Clash - The Clash (1977) et Up The Bracket.

Mais la comparaison ne tourne vraiment pas en la faveur des Libertines. Pas du tout même. Autant j'adore le premier Clash (peut-être même trop du coup), autant je ne comprends pas le punk-rock mou des Libertines (pardon auprès des fans). L'album ne contient pas la rage et la hargne des grands albums du punk anglais, tout en s'en approchant. Album à guitares, Up The Bracket l'est indéniablement. Ce qui en 2002, n'était pas forcément très courant j'en conviens. Mais le groupe, tout polémique qu'il soit, n'arrive pas à insuffler la formule fougueuse que les Artic Monkeys trouvèrent trois ans après sur leur premier album. Time For Heroes, morceau le plus connu de l'album est en effet vraiment inférieur à I Bet You Look Good on the Dancefloor par exemple. En plus, je ne suis pas un grand fan de la voix de Doherty, même si j'ai étrangement beaucoup aimé son album solo Peter Doherty - Grace/Wastelands (2009) .

Une grande incompréhension pour moi donc que cet Up The Bracket, trop mou pour vraiment me séduire comme album de punk-rock, et pas assez travaillé pour me séduire en tant qu'album de rock. Pourtant lorsque le groupe prend le temps de ralentir ou de passer à l'acoustique, comme sur Radio America, je le trouve nettement plus séduisant. Les deux titres Mockingbird/Mayday valent aussi le détour. Mais ce n'est pas assez pour me convaincre. En ce début de millénaire, les Strokes, Muse ou les Arctic Monkeys me plaisaient nettement plus. Et Pete Doherty en solo me plait aussi nettement plus que les Libertines. Comme quoi... je vais me contenter de réécouter le premier album des Clash, et je vais arrêter de m'acharner à essayer de comprendre Up The Bracket.

07/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même. 

Tracks : Teenage Riot ; Silver Rocket ; The Sprawl ; 'Cross The Breeze ; Eric's Trip ; Total Trash ; Hey Joni ; Providence ; Candle ; Rain King ; Kissability ; Trilogy a) The Wonder b) Hyperstation z) Eliminator Jr.

Pour certains l'Amérique des années 80 pourrait se résumer à une succession d'images et de clichés qui vus maintenant prêtent à sourire. Ou nous désespèrent, au choix. Ce sont les années Reagan, où Silvester Stallone triomphe au cinéma avec les épisodes les plus écœurants de Rocky ou de Rambo et où Michael Jackson vend des 38tonnes de disques, sans réels concurrents. L'époque où les groupes de pop synthétiques triomphent et où les grands groupes ou artistes de la décennie précédente semblent avoir totalement plongés, engloutis dans cette génération MTV où la musique devient, plus que jamais auparavant, un business. Mais durant les années 80, l'underground américain prépare sa revanche. Dans les bas fonds d'Hermosa Beach en Californie (Black Flag), à Boston (Pixies) ou dans ceux de Seattle (Mudhoney), des groupes massacrent férocement le punk pour en faire un nouveau genre de musique qui triomphera par la suite sous le nom de rock alternatif. Mais parmi tous ces groupes, un a connu un succès bien plus important que les autres : les New-yorkais de Sonic Youth. Lorsqu'ils publient en 1988 leur 5ème album officiel, ils ont déjà plusieurs années de scène derrière eux et ont changés de maisons de disque à plusieurs reprises. Ils ont traversés toutes les années 80 en voyant leur succès grandir peu à peu, tout en dépassant même le cadre de l'underground New-yorkais avec Evol et Sister. Pourtant, l'Amérique semble attendre... Une envie de changement semble flotter dans l'air. Est-ce le sens de ce titre, Daydream Nation? La tornade Nirvana aura lieu dans quelques années, lorsque Smells Like Teen Spirit ramènera le rock au premier plan. Ce cierge unique symbolise t'il la voie artistique que suivront les groupes de Seattle quelques années plus tard?

Quelques arpèges de guitares et un murmure de Kim nous accueillent : “You're It/No You're It/Hey, You're Really It/You're It/No I Mean It, You're It”. Murmures annonciateurs de la tornade qui ouvre Daydream Nation : Teenage Riot. Depuis Schizophrenia sur Sister, Sonic Youth a prouvé son don en matière de chansons d'introduction. Mais si Schizophrenia est un chef d'œuvre, Teenage Riot le surpasse encore. C'est bien simple, c'est un des morceaux les plus quintessentiels de Sonic Youth, même s'il n'est pas forcément représentatif de la démarche des New-yorkais. Ces arpèges de guitares et la rage électrique des refrains chantés par Thurston Moore résonnent longtemps, tels le cri d'une génération qui cherche à vivre un autre rêve...

Passée cette superbe et mythique introduction, la jeunesse sonique retourne vers ses fondamentaux : ce son saturé et torturé qui a fait le charme d'Evol et Sister. Le son devient plus rêche, plus agressif. Le climat s'assombrit après l'éclaircie de révolte que représentait Teenage Riot. L'ambiance devient plus violente et plus sombre sur Silver Rocket. Thurston Moore chante avec beaucoup plus de rage. Un climat agressif et violent qui se poursuit sur The Sprawl et son passage central bruitiste (3min35) et hypnotique. Comme une ambiance de violence latente qui imprègne ce début d'album surpuissant. Mais c'est une violence qui parfois se fait contemplative. L'assaut est fini (vers la 5ème minute de The Sprawl) et on admire le chant de bataille... On contemple les morceaux des roquettes d'argent explosées. La fin de la révolte adolescente commence déjà ici. Le final n'est que bruits...

Ce climat de violence -qui imprègne plus ou moins toute l'œuvre de Sonic Youth- est présent sur tout l'album. Que ce soit sur la longue et énervée 'Croos The Breeze où Kim Gordon tient le chant (hurlé) d'une intensité rare “Let's go walking on the water/ Now you think I'm Satan's daughter“, que ce soit sur la structure assez pop d'Hey Joni (hommage croisé au morceau Hey Joe et à Joni Mitchell) qui est recouverte par la distorsion, ou que ce soit sur la chaotique Rain King, un des morceaux les plus extrêmes du disque, cette violence imprègne complètement Daydream Nation. Sorte de couronnement final à la trilogie entamée avec Evol et Sister, tant la filiation dans le son et cette façon d'utiliser le bruit et le chaos pour créer de la musique est évidente. Sans Evol et Sister, pas de Daydream Nation.

Pourtant le groupe comme à son habitude, sait parfois ralentir un peu. C'est notamment le cas ici au cœur de l'album avec Providence et dans une moindre mesure Candle, qui donnera sa pochette au disque. Mais comme toujours lorsque le groupe calme le jeu, l'ambiance n'en devient que plus poisseuse et malsaine. Providence, seul morceau de l'album où un musicien extérieur à Sonic Youth joue et chante (il s'agit de Mike Watt, actuel bassiste des Stooges) est le morceau le plus inquiétant de l'album. Le son semble au bord de la rupture, comme s'il nous parvenait à travers un incendie. Et le piano lugubre et ce chant étrange semble m'évoquer quelqu'un jouant du piano alors même que l'immeuble brule... Autant dire que l'impression laissée par ce magnifique et glauque morceau est garantie. Candle est un peu moins glauque. On retrouve la distorsion ici, mais elle n'enflamme pas le morceau comme elle le fait ailleurs sur l'album. Candle est en réalité le moment le plus doux de Daydream Nation. Et peut-être un des plus beaux aussi, même si rien n'est à jeter ici.

Non rien n'est à jeter sur ce double disque. Mais chose encore plus surprenante, le groupe nous a gardé le meilleur pour la fin. Car si Teenage Riot, 'Cross The Breeze ou Candle sont assurément des merveilles, ils s'inclinent devant le monument final de l'album : Trilogy. Le morceau reprend les choses là où le Velvet Underground les avait laissé, 20 ans plus tôt sur The Velvet Underground - White Light / White Heat (1968) . C'est le Sister Ray de l'album. 14 Minutes séparées en 3 parties inégales : a) The Wonder (4min15), b) Hyperstation (7min13) et z) Eliminator Jr. (2min37). Si le final Eliminator Jr. se résume simplement à un final bruitiste et violent, les deux premières parties sont elles parmi les plus beaux moments musicaux gravés par un groupe américain durant les années 80. Une maestria qui surprend, même au milieu du chef d'œuvre qu'est Daydream Nation. Le groupe est ici à son apogée. Tout en tension, mêlant les contrastes sonores, la violence et la douceur, le morceau est la plus belle des conclusions qu'on pouvait imaginer. De quoi faire entrer définitivement dans la légende cette bougie solitaire sur la pochette.

Assurément Daydream Nation fait partie de la légende du rock. C'est le chef d'oeuvre de la carrière de Sonic Youth, courronement logique et mérité de leurs travaux des années 80. Ce disque est très souvent cité dans les listes des plus grands albums de cette décennie, raflant même parfois la première place. Et c'est mérité. Rarement un groupe n'a gravé de double vinyles d'une telle intensité, sans mauvais morceaux. Tout au plus, certains sont un peu anecdotiques (Kissability). Mais aucun n'est mauvais et beaucoup sont tout simplement des merveilles. Daydream Nation, tout comme Evol et Sister est un chef d'oeuvre, supérieur même à ses deux prédecesseurs. Cette trilogie d'albums (tout comme le encore plus sombre Bad Moon Rising) fait de Sonic Youth les descendants logiques du Velvet Underground. Cette influence est d'ailleurs perceptible dans Eric's Trip où on entend un monologue d'Eric Emerson tiré du film Chelsea Girls, d'Andy Warhol. La boucle est bouclée. C'est dire s'ils sont passionnants. Et Daydream Nation est leur meilleur album, même si bien sur, le coté très bruyant rend l'écoute parfois pénible, selon l'humeur de l'auditeur. C'est celui par lequel j'ai découvert le groupe. Et malgré le fait qu'il soit double (et donc assez long), c'est celui que je conseillerais pour aborder le groupe. Un cierge à bruler inlassablement...

18/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.

Tracks : Once ; Even Flow ; Alive ; Why Go ; Black ; Jeremy ; Oceans ; Porch ; Garden ; Deep ; Release

Musicalement, Seattle est surtout connu pour deux choses. Pour avoir été tout d'abord le lieu de naissance de quelques grandes rock star, notamment Jimi Hendrix (qui y repose d'ailleurs). Mais la capitale de l'État de Washington est surtout connue pour avoir été le berceau du grunge. C'est dans cette ville qu'à la fin des années 80, une poignée de kids allaient redonner un grand coup de pied dans la fourmilière endormie du rock. Un rock qui en cette fin d'années 80 plie sous le poids des synthétiseurs, de la pop de Prince ou de Michael Jackson, et qui semble avoir laissé les guitares entre les mains des métalleux. La plupart des grands groupes de punk sont morts. Mais ces kids avides de sons lourd qui leur correspondent vont chercher leur inspiration du coté de la scène alternative américaine, ou vers les poids lourds du passé. Mélangeant les Pixies et Black Sabbath, les Stooges et Sonic Youth, Neil Young et la rage des Pistols, plusieurs groupes font naitre un nouveau courant musical, le grunge, qui allait dominer la première moitié des années 90. Le genre est surtout connu grâce à 4 groupes : Soundgarden, Alice In Chains, Nirvana et Pearl Jam. Formé à l'époque d'Eddie Vedder au chant, Jeff Ament à la basse, Stone Gossard à la guitare, Dave Krusen à la batterie et Mike McCready à la guitare soliste, Pearl Jam est avec Nirvana le plus connu du lot. C'est celui qui connut le plus rapidement le succès, dès l'année même de sa formation, grâce à son premier album intitulé Ten. 1991, l'année de l'explosion du grunge. Alors que Nirvana s'apprête à sortir Nirvana - Nevermind (1991) , Pearl Jam fait découvrir le grunge au monde avec Ten. Et 20 après, alors que Nirvana a disparu depuis bien longtemps, qu'Alice In Chains a du changer de visage pour survivre et que Soundgarden se reforme après 10 ans de séparation, Ten reste un incontournable du grunge. Le seul rival éventuel de Nevermind. Un rival sérieux d'ailleurs?

Schématiquement, les quatre grands groupes de grunge se répartissent comme ça : Soundgarden est le plus heavy, Alice In Chains le plus métalleux (façon Black Sabbath sous prozac), Nirvana le plus punk (façon Pixies). Et Pearl Jam? C'est probablement le plus rock, puisant son inspiration dans tout ce que le rock, notamment américain, peut offrir. La référence absolue du groupe n'est autre que Neil Young, notamment lorsque ce dernier est accompagné du Crazy Horse (comme sur Ragged Glory sorti en 1990). Neil Young se servira d'ailleurs de Pearl Jam comme backing band pour son album Mirror Ball en 1995, une jolie façon de boucler la boucle. Le groupe cite aussi comme références les Who ou les Ramones, et quelque part un groupe comme Led Zeppelin a du laisser quelques traces sur eux, surtout sur ce premier album. Pearl Jam joue ici un rock puissant et musclé, un peu loin des délires asphyxiants d'Alice In Chains ou de la pop explosive de Nirvana. L'étiquette reste grunge, mais ne reste qu'une étiquette.

Car Ten ne ressemble pas vraiment aux autre productions grunge. La voix de Vedder est très puissante par exemple et assez grave. Elle n'est encore pas à son meilleur sur Ten (loin de là), mais déjà Vedder s'impose comme un grand chanteur, très puissant vocalement. De même les guitares sont puissantes, un peu lourdes, et ne sont pas avares de soli, contrairement à Nirvana par exemple. La paire de guitariste est très bonne en effet, et McCready livre parfois de jolis soli. L'ambiance est aussi plus « héroïque » et virile qu'elle ne peut l'être sur Dirt d'Alice In Chains ou sur Nevermind. Oui mais voilà, par rapport à Nevermind, l'album a de gros problèmes. Le premier d'entre eux, et pas des moindres, concerne la production. Je sais que certains détestent la production de Nevermind, mais si on compare les deux, il n'y a pas photo (ou même avec In Utero). Ten a mal vieilli, ce qui n'est pas le cas de Nevermind (de mon point de vue), ou même de Dirt. Les titres paraissent plus plats qu'ils ne le sont vraiment et lorsqu'on écoute d'autres albums de Pearl Jam comme Vitalogy, le contraste est flagrant : Ten est plat, parce que la production a mal tenu ces 20 dernières années. Les versions live des titres sont d'ailleurs assez révélatrices.

De même, Ten contient certes de grandes chansons, mais manque un peu de cohérence de bout en bout. Le début est très bon, avec le carré gagnant Once (une bonne intro, très accrocheuse notamment grâce au chant), Even Flow et son riff très musclé (et un joli solo), l'hymne Alive avec son solo prenant et superbe (assurément une des meilleures chansons de l'album) et la magnifique ballade, Black. C'est surement le titre le plus accrocheur de l'album avec Alive, tant il est beau et tant Eddie Vedder chante bien ici. Mais le reste des titres me paraît assez moyen, pour tout vous avouer. Pas mauvais, non. Mais pas transcendant non plus. Est-ce dû à la production? Possible mais certains titres comme Oceans (assurément le plus mauvais de l'album pour moi) ou Deep me font un peu chier. Le reste est correct, mais ne me fait pas rêver.

Un album correct que ce Ten donc, même si je ne peux m'empêcher de penser qu'il est un peu surestimé. Est-ce parce que je préfère Nirvana ou Alice In Chains à Pearl Jam? Probable. Cet album a pas mal de concurrents de bon niveau entre Nevermind, In Utero, Dirt ou l'éponyme d'Alice In Chains. Mais en toute honnêteté pour moi, il a aussi de sérieux concurrents dans la propre discographie de Pearl Jam. Je ne peux en effet m'empêcher de préférer un album comme Vitalogy à ce Ten sympathique, mais pas génial pour moi. Pour un premier album, c'est très honnête et ça se laisse écouter. Mais de mon point de vue (qui n'engage donc que moi) je ne crois pas qu'il faille découvrir Pearl Jam par là, malgré le mythe qui entoure cet album.

13,5/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.