Rock'N'Blog

Tracks : Svefn-g-englar ; Glósóli ; Ný batterí ; Fljótavík ; Við spilum endalaust ; Hoppípolla ; Með blóðnasir ; Inní mér syngur vitleysingur ; E-bow ; Sæglópur ; Festival ; Hafsól ; All alright ; Popplagið ; Lúppulagið

L'histoire commence en aout 1994 à Reykjavik. Trois jeunes hommes décident de former un groupe de rock. Il s'agit de Jón Þór Birgisson à la guitare et au chant, Georg Hólm à la basse et d'Ágúst Ævar Gunnarsson à la batterie. Le trio prit le nom de Sigur Rós. Londres, 20 et 21 novembre 2008. La route a été longue entre cet été 1994 à Reykjavik et la scène de l'Alexandra Palace. Pourtant entre 1994 et 1999, personne n'aurait parié sur Sigur Rós. Leur premier album, Von, paru en 1997, n'a été vendu qu'à quelques centaines d'exemplaires en Islande. Sigur Rós - Ágætis byrjun (1999) va tout changer, apportant le succès international, les tournées avec Radiohead, les B.O. de films Hollywoodiens comme Vanilla Sky. Sigur Rós, rejoint par le claviériste Kjartan Sveinsson et le batteur Orri Páll Dýrasonau cours de l'année 1999va devenir un des plus grands et des plus intéressants groupes de post-rock au monde. Pourtant lorsque le groupe monte sur scène le 20 et 21 novembre 2008, pour la tournée de l'album Sigur Rós - Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), son avenir est incertain. Ces deux dates sont les deux dernières à l'étranger, avant le retour du quatuor en Islande pour un dernier concert à Reykjavik. Après ça, chacun veut partir dans sa propre direction, s'occuper de sa famille ou vaquer à des projets solos. Jónsi a-t-il déjà en tête les chansons du disque qu'il va enregistrer avec son compagnon Alex Sommers (Jónsi & Alex - Riceboy Sleeps (2009)) ou les morceaux de son propre futur album solo lorsqu'il monte sur scène ce soir du 20 novembre? Possible. Le groupe est à la veille d'une pause dans son activité qui va durer presque quatre ans. Peut-être même songeaient-ils à se séparer définitivement. C'est pourquoi il fallait laisser une trace d'une performance live de Sigur Rós. Deux ans plus tôt, le groupe avait tourné sur son ile natale un film, Heima, qui signifie « à la maison » en islandais. Ils y livraient de superbes prestations acoustiques de leurs chansonsdans des lieux insolites d'Islande. Le film met l'accent sur la magnificence des paysages et la beauté des chansons du quatuor en acoustique, accentuant le lien qui existe entre les deux. Quelques uns de ces morceaux ont d'ailleurs été gravés sur le double album Hwarf/Heim, paru en 2007. Mais il manquait à la discographie du groupe un véritable album live, pouvant retranscrire une performance normale de Sigur Rós sur scène. Le groupe a donc l'idée d'enregistrer ses performances du 20 et 21 novembre 2008, à Londres, pour en faire un nouveau film et un disque live. En résulte Inni, qui paraît en 2011 après trois longues années d'attente.

Inni signifie « A l'intérieur » en islandais. Comme une sorte de contrepoids absolu à Heima. Si Heima mettait en scène Sigur Rós dans les sublimes et torturés paysages islandais, Inni met en scène le groupe, et uniquement le groupe, sur une scène anglaise. Le film, à l'opposé des superbes images d'Heima, est en noir et blanc. Dans une esthétique volontairement floue et donnant une image vieillie, centrée uniquement sur les membres du groupe. Le son des deux prestations enregistrées sur Inni est aussi à l'opposé des performances d'Heima. Là où le groupe avait choisi de jouer en acoustique pour Heima, il joue ses titres dans une version très électrique sur Inni. C'est d'ailleurs Svefn-g-englar, un des meilleurs morceaux de leur répertoire qui ouvre le concert. La version est ici particulièrement électrique et rugueuse, car l'absence de production fait ressortir le son très particulier de la guitare électrique frottée par l'archet de Jónsi. Les claviers (et notamment le fameux son de sonar rappelant Echoes de Pink Floyd) sont extrêmement envoutants et nous emmènent directement dans un univers onirique... Pouvait-on imaginer plus belle introduction? Probablement pas, surtout que le groupe enchaine sur Glósóli, autre longue plage qui servait d'introduction à Takk... et à Heima. Même si le morceau est moins bon que Svefn-g-englar, sa lente montée d'émotion achève définitivement de nous envouter et de nous emmener dans le loin voyage planant et électrique que sont ces shows de l'Astoria Palace. Et lorsque surgissent les larsens menaçants de la guitare du terrible Ný batterí, on se dit que Sigur Rós n'est pas qu'un envoutant et magnifique groupe de studio. Ces quatre là forment aussi un formidable groupe de scène, qui sur ce classique issu de leur deuxième album est capable de maitriser la foudre pour créer une tension et une émotion palpables... Dommage malheureusement qu'ils ne jouent que deux titres d'Ágætis byrjun durant le concert. La performance vocale de Jónsi est ici absolument hallucinante d'intensité et les orgues austères instaurent une ambiance extrêmement prenante...

La suite du concert est néanmoins un peu plus joyeuse, notamment avec trois morceaux issus de Með suð í eyrum við spilum endalaust (Fljótavík ; Við spilum endalaust et son rythme guilleret et l'époustouflant Inní mér syngur vitleysingur au piano enchanteur) et le très touchant et joyeux Hoppípolla issu de Takk... sur lequel Jónsi livre une prestation vocale absolument hallucinante d'émotivité. Tous ces morceaux sont plus courts que les trois premiers, plus joyeux, mais n'en demeurent pas moins très jolis et plaisants. Un bon reflet du virage moins solennel que Sigur Rós avait pris sur leur dernier album en date. Pourtant c'est le glacial et ténébreux E-Bow, sixième piste originellement sans nom de Sigur Rós - () (2002), qui vient conclure le premier disque d'Inni. Je ne vais pas m'en plaindre, tant je trouve la beauté glaciale et ténébreuse de ce morceau absolument fascinante. Le grondement caverneux et hypnotique qui se dégage de la guitare et des claviers est absolument grandiose et le caractère très électrique et brut du live rend le titre tout aussi impressionnant qu'en studio... C'est bien simple, c'est un des meilleurs moments du concert.

Pourtant le deuxième disque ne faiblit pas vraiment avec Sæglópur (issu de Takk...), et surtout avec Festival, qui offre là encore (décidément c'est habituel sur Inni) une performance vocale absolument hallucinante de Jónsi et une interprétation instrumentale particulièrement prenante. Le crescendo final du morceau est un pur bonheur, et c'est probablement pour ça que Festival a été choisi comme premier extrait pour présenter Inni avant sa sortie. Le groupe profite d'ailleurs de ce moment de grâce pour nous livrer ensuite Hafsól, une chanson issue de leur premier album Von. Même si ça fait plaisir d'entendre ce morceau qu'on n'a pas forcément l'habitude d'entendre (surtout que Von n'est pas l'album de Sigur Rós que j'écoute le plus), je dois néanmoins reconnaître qu'il ne s'agit pas du morceau le plus indispensable du live. Tout comme le morceau suivant All alright qui vaut surtout pour le chant très doux et triste de Jónsi. Heureusement le groupe a gardé du très lourd avec Popplagið, morceau qui vient toujours conclure leurs concerts depuis 2002 (et qui conclut l'album () et le film Heima). Long morceau de quinze minutes, Popplagið est un des seuls morceaux du groupe qui après un long crescendo très doux, finit par totalement exploser. Toute l'émotion et la tension accumulées durant le concert trouvent ici leur aboutissement dans une transe salvatrice, sous les coups de butoir de la batterie, le rythme implacable de la basse et les explosions de guitares à la fois destructrices et salvatrices...

Le groupe cependant ne s'arrête pas là et nous livre une petite surprise avec la dernière chanson, Lúppulagið. Il ne s'agit en effet pas d'un morceau joué durant les deux concerts, mais d'un instrumental inédit, joué en studio. Le piano qui mène la chanson est très délicat et doux, et si ce n'est clairement pas un chef d'œuvre, on prend plaisir à écouter cette petite pépite que le groupe a placé là pour les heureux possesseurs d'Inni.

Néanmoins, Inni n'a pas besoin de ce petit inédit final pour être rigoureusement indispensable, car ce live de Sigur Rós est impressionnant d'intensité et de puissance. Le groupe est ici très en forme, que ce soient les instrumentistes ou Jónsi dont le chant est d'une élégance et d'une émotion impressionnantes. Les morceaux sont ici interprétés à la perfection, sous un jour plus rugueux et électrique qu'on ne connait pas forcément dans le travail studio du groupe. Le seul reproche qu'on peut adresser à Inni concerne probablement la setlist. On retrouve en effet ici une majorité de morceaux provenant de Takk... et de Með suð í eyrum við spilum endalaust et finalement seulement deux morceaux d'Ágætis byrjun et de (). J'aurai aimé avoir certains morceaux comme Starálfur, Ágætis byrjun, Vaka ou Álafoss. De même, l'absence de Gobbledigook, superbe et joyeux titre qui ouvre Með suð í eyrum við spilum endalaust se fait cruellement sentir. Apparemment le morceau a bien été joué, mais un souci technique a eu lieu lors de son enregistrement, l'empêchant d'être mis sur ce live. De même je regrette l'absence de la solennelle et superbe Ára bátur, une des plus belles compositions des islandais à mon goût. En outre on peut se dire que le film n'est pas rigoureusement indispensable, tant le traitement de l'image est plaisant au début, mais devient assez vite lassant. Mais malgré ces petits reproches, ne vous y trompez pas. Inni est un live de très grande qualité, qui montre que les islandais de Sigur Rós sont aussi indispensables sur scène qu'en studio.

16/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.

Deux ans sans Printemps de Bourges. La dernière fois que j'étais allé en terres berruyères, le voyage avait été très fructueux, avec beaucoup de découvertes sur les scènes gratuites, et Iggy & The Stooges dans les concerts payants. Superbe édition 2010 qui m'avait comblé. Malheureusement, je n'étais pas en France lorsque l'édition 2011 a eu lieu. Un coup d'œil à cette programmation 2011 et je me suis dis que ce n'est pas sur les scènes payantes que j'aurai trouvé mon bonheur.

2012, week-end d'entre deux tours des élections. Le coup d'œil sur la programmation de cette année n'a pas été plus probant. Rien ne m'a suffisamment motivé pour aller sur les scènes payantes. Certes la soirée rock français a quelques jolis noms avec Izia, Dyonisos et Shaka Ponk, mais rien qui ne puisse réellement motiver votre humble serviteur à payer 30€. La soirée reggae/world a de sérieux arguments (un des fils Marley, Groundation, Tinariwen, Zebda...), mais ce n'est malheureusement pas trop ma came. D'ailleurs après un examen approfondi à la programmation des scènes payantes, je m'interroge. Pourquoi n'y a-t-il plus de soirée métal? Pourquoi n'y a-t-il pas/plus de soirée rock anglophone? Je comprends aisément que le Hellfest soit devenu en quelques années l'eldorado des métalleux français, mais je m'étonne quand même du choix du Printemps de ne plus programmer quelques groupes de métal sur les scènes payantes. Le genre n'est pas rentable? Vu le succès du Hellfest justement, c'est étonnant. Et tous les jeunes de la région centre n'ont pas forcément les moyens de se payer un séjour du coté de Clisson, ce qui représente une certaine somme à débourser (sans remettre nullement en cause la politique tarifaire du Hellfest qui propose énormément de groupes différents). C'est dommage. De même, j'aurai aimé quelques groupes de rock anglophone. Il y a le choix outre-manche pour nous contenter je pense. Il n'y avait aucun groupe de la classe d'Archive ou des Stooges cette année. Là encore je le déplore, surtout que la plupart des groupes croisés en off sur le festival sont des groupes de rock, preuve que le genre est bel et bien vivant.

Néanmoins, même si je n'ai pas trouvé mon compte sur les scènes payantes, le Printemps de Bourges reste une institution. Une sorte de passage obligé, avant les grands festivals de l'été, que je ne peux d'ailleurs jamais aller voir. Mais le Printemps de Bourges, comme l'indique son nom, a lieu au printemps. Avec les conditions climatiques que ça implique. La pluie, donc. Comment souvent au Printemps de Bourges. Teinte grise, atmosphère mouillée et humeur maussade pour cette année. Ce n'est la faute à personne, ainsi nous nous contenterons de pester après le climat, qui même s'il se dérègle, pourrait avoir la gentillesse de ne pas nous gâcher nos festivals de musique. Merci à lui.

Printemps tardif et pluvieux pour nous donc. Arrivés le vendredi après-midi sur les lieux, nous avons tourné quelques temps pour trouver quelque chose. C'est le duo folk June & Lula qui jouait sur la scène Jeunes Talent SFR qui a donc ouvert notre printemps de Bourges. Je connaissais le groupe de réputation et j'avais déjà écouté quelques morceaux studios d'elles, et je dois dire que même si je n'étais pas du tout dans l'ambiance (fatigue, temps gris, milieu d'après-midi), ce duo, accompagné ici d'une contrebasse, est charmant. Je ne suis pas forcément un grand amateur de ce genre de musique, mais il se dégage de leurs voix un charme qui opère. Il opère d'ailleurs surement mieux dans d'autres conditions. Mais même ainsi, l'alliance des voix de ces deux jeunes filles reste impressionnante et dégage un charme fou. Pour les amateurs de douceurs folk, il y a donc largement de quoi se faire plaisir.

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Direction l'Igloo, drôle de stand dédié à des expériences artistiques un peu étranges, pour voir Piano Chat à 17h. Derrière ce drôle de nom se cache un musicien tourangeau, que j'avais déjà vu en juillet 2010 en première partie de mes amis des Paper Plane à Fondettes. A l'époque déjà, il dégageait quelque chose d'impressionnant. Deux ans plus tard et des dates autour du monde en première partie de Yann Tiersen, je voulais donc voir ce que Piano Chat était devenu. Bien m'en a pris. Car le garçon est toujours aussi impressionnant. Non. Il a même gagné en maturité. Ses prestations live sont un concept en elles-mêmes. Le garçon est en effet seul sur scène, mais dégage quand même une puissance phénoménale. Un groupe à lui seul. Usant et abusant de samples qu'il enregistre sur le moment, il empile en effet les riffs et les effets sonores au fur et à mesure de l'élaboration de ses morceaux. Les chansons se construisent sous nos yeux. Le procédé est presque toujours le même. L'enregistrement du riff en premier, qui est samplé. Puis un autre riff, ou quelques effets de guitares (avec un archet ou une baguette de batterie par exemple), samplé à nouveau. Puis les voix. Puis enfin, le morceau explose totalement avec l'enregistrement de la batterie. A ce moment, les morceaux explosent dans une furie monstrueuse. Cet homme, même seul, est capable de dégager un ouragan sonore époustouflant. Les moments plus minimaux et gracieux en début de chansons sont aussi très agréables. Quelques déflagrations quasi-punk injectent aussi de l'énergie quand le besoin s'en fait ressentir. Le concert se déroule vite, avec plaisir. Trop vite. Le seul reproche qu'on peut finalement adresser à Piano Chat, c'est que le concept même de ses prestations live, qui fait tout son charme, est aussi sa limite. En effet lorsqu'on a compris comment il joue les titres en live, on sait qu'ils vont tous suivre le même chemin riffs-effets-voix-batterie. Peut-être devrait-il justifier complètement son nom et parfois introduire d'autres instruments comme des petits claviers, ou des instruments à vents? En tout cas, sa prestation live était excellente et ce chat si agile est amené à se faire connaître un jour, c'est certain.

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Quelques pérégrinations dans le centre de Bourges plus tard, nous sommes finalement arrivés devant un trio de quinquagénaires jouant des reprises de classic-rock (Stones, Dylan, Beatles, Them...) avec un plaisir communicatif. Rien de bien ambitieux, mais ils jouaient bien, notamment le guitariste électrique sur Fender et c'est peut-être finalement ce que nous cherchions. Du calme, de l'efficace et du plaisir simple à partager. De quoi nous faire passer une heure avec plaisir et nous mener tranquillement vers la soirée, et un très bon repas thaïlandais sur un des stands du festival. Dommage qu'on soit forcément obligé de consommer des boissons en plus de la nourriture pour s'assoir malheureusement... Vu l'état de fatigue général des troupes, nous ne nous sommes pas éternisés le soir.

Retour à Bourges le lendemain à 14h40. Malheureusement trop tard pour voir mes amis des Artramps jouer sur la scène région centre. Vu le niveau habituel de leurs prestations live ([Concert] The Artramps+Les Fouteurs de Bringue+Daoud & Kristobal Tours 07/10/11), je suppose qu'ils ont tout dynamité. J'ai aussi apparemment loupé le très bon trio de la Théorie des cordes qui jouait sur Bourges le samedi. La poisse totale. Malheureusement, nos déambulations dans Bourges ne nous ont pas amené à retrouver un groupe de ce niveau. J'ai même eu l'impression d'être à une mauvaise fête de la musique, tant la qualité générale des groupes que j'ai entendu dans divers endroits m'a laissé perplexe. Entre groupe de blues pas du tout calés, groupes de rock honnêtes mais sans plus et groupes assez expérimentaux, rien ne m'a convaincu. Le seul réconfort de cette journée décevante a été de trouver mes amis des Radiophones en concert sur la scène de la Scala. Un set classique et bien expédié, en deçà de leurs prestations habituelles ([Concert] The Paper Plane+The Radiophones Rouziers 04/02/2012) mais qui prouve que ces gens, même fatigués et en petite forme sont largement au dessus de la mêlée des autres groupes. Ils auraient mérité une autre scène, c'est évident.

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La fin de la soirée n'a malheureusement pas été à la hauteur de ce concert. La seule éclaircie de la journée? Peut-être était-ce la fatigue, le temps, ou la programmation (ou probablement un peu des trois), mais rien ne nous a vraiment convaincu. Une deuxième journée bien maussade donc, malgré l'ambiance toujours sympa du samedi soir dans les stands. Un Printemps de Bourges décevant pour nous. En espérant que l'année prochaine, la programmation laisse plus de place à des groupes de rock anglophones, et que le temps soit meilleur.

Et vous, votre Printemps de Bourges?

Moi-même.

Tracks : Obscured By Clouds ; When You're In ; Burning Bridges ; The Golds It's In The... ; Wot's... Uh The Deal ; Mudmen ; Childhood's End ; Free Four ; Stay ; Absolutely Curtains

Indéniablement, certains groupes ou certains genre musicaux ont une dimension très cinématographique. Il suffit d'entendre quelques notes de ces groupes pour voir un film débuter dans sa tête. C'est le cas de Massive Attack par exemple (ce n'est pas pour rien que des morceaux comme Angel ou Teardrop sont si utilisés dans des films, des pubs ou des génériques de série), ou de Sigur Ros (dont la musique est très utilisée au cinéma). Mais un des groupes les plus cinématographiques qui soient est probablement Pink Floyd. Entre le Floyd et le cinéma, il existe une multitude de liens, puisqu'un film a été tiré d'un de leurs albums (The Wall d'Alan Parker en 1982, film musical qui reprend l'album Pink Floyd - The Wall (1979)), ils ont fait un film de leur concert sans public à Pompeii (Live At Pompeii sorti en 1972), et Stanley Kubrick leur a même demandé l'autorisation d'utiliser le morceau Atom Heart Mother dans Orange Mécanique. Malheureusement pour le groupe, ils ont refusés. La légende veut que pour se consoler, le groupe a synchronisé Echoes avec la dernière partie de 2001 L'odyssée de l'espace. On ne sait pas vraiment si c'est un mythe ou une réalité, mais le résultat est cependant assez concluant (il y a des vidéos sur youtube). Mais surtout, Pink Floyd a au cours de sa carrière participé à une bande originale en proposant quelques morceaux (pour le film Zabriskie Point), et réalisé entièrement deux bandes originales de films, toutes les deux pour des films du cinéaste Barbet Schroeder. La première date de 1969 et s'appelle More, accompagnant le film du même nom. La seconde, réalisée en 1972 alors que le groupe était en pleine élaboration du Dark Side Of The Moon, s'appelle Obscured By Clouds, accompagnant le film La Vallée. Les membres de Pink Floyd avaient été enchantés par l'expérience de l'enregistrement de More, qui leur avait permis d'explorer de nouvelles voies avec un certain succès. A l'écoute, More est même largement supérieur à Ummagumma paru l'année suivante. De plus l'enregistrement du Dark Side Of The Moon était long et fastidieux et lorsque Barbet Schroeder revint vers eux leur proposer la réalisation d'une nouvelle BO, ils n'hésitèrent pas et partirent enregistrer Obscured By Clouds au château d'Hérouville en France (où Bowie et Elton John enregistrèrent certains de leurs albums). Paru en 1972, cette BO illustrant La Vallée (mais s'intitulant Obscured By Clouds suite à une brouille entre le groupe et la société de production du film), permet-elle au Floyd de confirmer l'inspiration de Meddle et du Dark Side Of The Moon qui allait paraître l'année suivante?

Si les albums qui l'entourent sont tous géniaux, on ne peut malheureusement pas en dire autant d'Obscured By Clouds. Lorsque le groupe partit pour la France pour enregistrer cette BO, il ne disposait en tout que de deux semaines pour accoucher d'un album. Le studio était en effet réservé ensuite pour T-Rex qui y enregistrait The Slider. Un travail fait dans la précipitation qui leur avait plutôt bien réussi sur More, mais qui ne leur a pas vraiment réussi quatre ans plus tard pour ce disque. Pour la première fois, sous l'effet de cette précipitation, Roger Waters se trouve en retrait, alors même qu'il était le compositeur le plus chevronné du groupe. Contrairement à tous les albums de Pink Floyd d'Atom Heart Mother à The Final Cut, Waters n'est pas le meneur du groupe sur Obscured By Clouds. Il ne fait que cosigner la plupart des titres, dont trois ne sont absolument pas de lui (Mudmen ; Childhood's End ; Absolutely Curtains), chose assez rare pour être soulignée dans cette période du groupe. Seuls deux titres sont réellement signés de Waters : Free Four et Stay, et seul Free Four est chanté principalement par le bassiste. L'album semble donc moins marqué que les autres par les thèmes habituels du parolier (aliénation, folie, contrôle...) et perd cette dimension oppressante que les autres albums du Floyd peuvent avoir. Obscured By Clouds est ainsi un simple disque de 10 chansons, s'enchainant les unes à la suite des autres sans construction particulière. Pas d'élaboration, pas de début, pas de fin. On est loin des essais étranges d'Atom Heart Mother ou de la construction parfaite de Wish You Were Here. L'album est donc nettement moins ambitieux, et il lui manque clairement quelque chose par rapport aux autres. Comble pour un album de Pink Floyd, il est en plus assez mal produit, le son étant assez diffus (certains parlent de son éthéré qui renforcerait l'ambiance onirique de la galette). Un problème technique en est apparemment à l'origine, mais lorsqu'on sait la maniaquerie des productions du groupe, on ne peut que déplorer qu'un tel soin n'ait pas été apporté à Obscured By Clouds.

Ce retrait de Waters profite directement à un autre membre du groupe, David Gilmour, qui se retrouve à mener la danse. S'il y a à mon sens un point positif à retenir de cet album, c'est bien le jeu du guitariste qui laisse ici ressortir ses influences blues tout au long de l'album. On le sait, Gilmour est un excellent guitariste. Si on cite souvent les solos de Time ou de Comfortably Numb pour évoquer son talent, Obscured By Clouds est néanmoins l'album du Floyd où le guitariste est le plus à l'aise, et joue le plus de solos, tous albums du groupe confondus. Son jeu sur les deux morceaux instrumentaux qui ouvrent le disque (Obscured By Clouds et When You're In) rend ces morceaux assez agréables. Il est aussi le chanteur principal sur quatre des six morceaux chantés sur l'album (Burning Bridges ; The Golds It's In The... ; Wot's... Uh The Deal ; Childhood's End), ce qui contribue à l'ambiance apaisante et très planante du disque. Cette place centrale de Gilmour est d'ailleurs ce qui fait le charme de ce disque, assez atypique dans l'histoire du groupe. Malheureusement, c'est bien le seul point vraiment positif d'Obscured By Clouds pour moi.

Car les dix chansons composées, sans être exécrables, n'ont rien de mémorable. A mes yeux Obscured By Clouds est le disque le plus insignifiant de Pink Floyd. Non pas qu'il soit mauvais en fait. Il est assez agréable, mais ne parvient pas à dégager d'ambiance particulière. Agréable, mais très vite oubliable. Aucune chanson ne se retient, aucun concept ne s'en dégage. Même More est nettement mieux doté au niveau de la qualité des chansons (Cirrus Minor ; The Nile Song ; Green Is The Colour ; Cymbaline...). Et finalement lorsque j'ai envie d'écouter Pink Floyd, je n'ai jamais vraiment envie d'écouter Obscured By Clouds. Et lorsque je me force à l'écouter, sans que ça me déplaise, je le trouve assez insignifiant. L'album le plus mineur du groupe? Probablement avec A Momentary Lapse Of Reason. Il faut dire que le groupe nous réservait un coup de génie l'année suivante avec The Dark Side Of The Moon qui allait le propulser directement dans la légende...

10/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.

Tracks : Walk On ; See The Sky About To Rain ; Revolution Blues ; For The Turnstiles ; Vampire Blues ; On The Beach ; Motion Pictures (For Carrie) ; Ambulance Blues

L'homme est seul. Debout face à la mer. Dans sa bouche le gout du miel, de la marijuana et l'arrière gout de la tequila se mélangent à l'air marin. Pieds nus, il sent le sable frais sous ses orteils. La mer reflue. Ouvrant un nouveau champ de possibilités immense. Mais dévoilant aussi peu à peu le morne paysage des marées basses. L'homme y voit un reflet à son propre état d'esprit. Il faut dire qu'en deux ans, tout a changé pour Neil Young. Propulsé au rang de superstar en 1972 par le succès inattendu de Neil Young - Harvest (1972) et ses tournées avec Crosby, Stills and Nash, la roue a rapidement tournée. Danny Withen, guitariste de Crazy Horse n'est plus. Overdose d'héroïne. Bruce Berry, roadie et ami de Neil n'est plus. Overdose d'héroïne. Young lui-même ne dit pas non à la cocaïne et l'alcool. Ses crises d'épilepsie sont toujours aussi fortes. Pour noircir encore le trait, son mariage avec l'actrice Carrie Snodgress est en train de définitivement prendre l'eau, et leur fils Zeke souffre d'un handicap mental. Paysage noir, vent glacial. Sur cette plage, Neil trouve le paysage adéquat pour représenter sa dépression. Cependant, le Loner va un peu mieux. Le terriblement noir et dépressif Neil Young - Tonight's The Night (1975), qui dort dans les cartons de sa maison de disques lui a peut-être permis d'exorciser un peu ses démons. Après la nuit, la lumière grise blafarde du matin vient. C'est dans cet état d'esprit que Neil s'enferme en studio en 1974 pour enregistrer son 5ème album studio (en fait 6ème puisque Tonight's The Night date de 1973 mais ne sera publié qu'en 1975), intitulé On The Beach. De quoi permettre au Loner d'exorciser définitivement ses démons qui le poursuivent depuis Harvest?

Walk On ouvre le bal avec une insouciance et une certaine forme d'énergie qu'on n'avait pas entendues chez Young depuis Harvest. Le rythme blues est enjoué, malgré la férocité du texte qui évoque un passé heureux (probablement la fin des sixties), mais qui invite à avancer coute que coute. Quitte à partir de ce très joli et ensoleillé morceau jusqu'à l'engourdissement dépressif de See The Sky About To Rain... C'est en effet ici que commence réellement notre voyage tout au long de cette plage grise et ténébreuse. Le piano pourrait provenir d'After The Gold Rush, mais ses notes se diluent dans le ciel gris, s'éparpillent et laissent une impression étrange... Toute la production du disque, extrêmement bizarre donne ce charme éthéré et engourdi aux chansons. Elles semblent se perdre et se diluer dans ce ciel gris, portées par le vent. En gardant toute leur poésie... Et See The Sky About To Rain nous emmène tristement au milieu des nuages. Ce n'est pas un des titres les plus fulgurants de l'album, mais son charme vénéneux est quand même très plaisant.

 

Revolution Blues vient cependant resserrer le propos. Les sixties et les jours heureux sont finis. Et pour ça, Neil invoque le grand épouvantail de l'Amérique dans ce court récit halluciné aux relents blues. Revolution Blues raconte en effet l'odyssée meurtrière de Charles Manson et de sa Family de dégénérés, que Young a plus ou moins connu (comme beaucoup de rock stars californiennes à la fin des années 60 comme les Beach Boys). « Well, I hear that Laurel Canyon/is full of famous stars/But I hate them worse than lepers/and I'll kill them/in their cars ». Le rêve est fini. Les jours heureux sont loin. Reste Neil, corrosif, noir, magistral dans ce blues épique et surpuissant. Sa voix se fait acide et se perd dans ce blues magistral, violent et épique, dont on regrette finalement qu'il ne soit pas plus long (4min02).

Après un sommet d'une telle profondeur, For The Turnstiles et Vampire Blues paraissent forcément inférieures. Ces deux chansons ne sont en effet pas à la hauteur de certains des chefs d'œuvres qu'on peut trouver sur l'album. For The Turnstiles est la chanson qui renvoie peut-être le plus à Tonight's The Night avec son banjo très country et le chant déchiré et déchirant de Neil Young qui sent la tequila à plein nez. Néanmoins si le chant est sur le fil, l'ambiance champêtre de la musique est plutôt reposante, ce qui crée une ambivalence étrange au sein du morceau, qui lui nuit peut-être un peu. Vampire Blues est quant à lui un blues (logique vu le titre) assez réussi, mais finalement assez anodin par rapport au reste des morceaux, notamment ceux de la face B.

Car ces deux titres sont en effet relégués au second rang par la magnifique chanson éponyme, On The Beach qui lance la face B. Longue rêverie blues où la basse mène la danse de façon lancinante et où la guitare électrique est à l'honneur (superbe solo vers 2min45), cette chanson est un des plus beaux morceaux de la galette (avec Revolution Blues et Ambulance Blues). Un des plus beaux et émouvants de toute la carrière de Neil Young aussi. On en regrette presque que le Loner n'ait pas plus souvent touché au blues durant sa carrière tant les blues qui émaillent On The Beach sont beaux et singuliers.

 

Motion Pictures (For Carrie) lui permet ensuite dans une ambiance irréelle et vaporeuse d'évoquer la fin de sa relation avec sa femme, Carrie Snodgress. Rien de cynique et amer comme le Idiot Wing de Dylan la même année. Juste du regret, une steel guitare éthérée qui intervient ponctuellement, une guitare acoustique, quelques percussions et un déchirant solo d'harmonica suffisent à rendre ce titre merveilleusement désabusé.

On conclut avec le plus beau morceau de l'album, une des (nombreuses) pépites de la carrière du Loner : Ambulance Blues. Cette longue rêverie finale (8min56) conclu magnifiquement le disque, et la « Trilogie du fossé » composée du live Time Fades Away, Tonight's The Night et On The Beach. Après ces trois disques Neil Young ne sera plus jamais vraiment le même... Et Ambulance Blues est un adieu absolument sublime à cette dépression, avec cette lenteur engourdie caractéristique, la mélancolie de la voix de Neil (qui chante d'un ton plus grave que d'habitude), et surtout grâce aux interventions d'un tambourin et du violon qui donnent une ambiance lancinante et onirique. Cette balade hallucinée où Neil règle ses comptes avec les critiques musicaux « So all you critics sit alone/You're no better than me/for what you've shown. » est un pur joyau, lancinant, triste mais incroyablement beau. Une quasi pub pour la défonce et la dépression.

 

Autant dire que la face B d'On The Beach est une des plus ténébreuses et magnifiques qui soient. La magie (noire) qui s'en dégage a été assez rarement égalée. Même par Neil Young lui-même. Même si On The Beach reste moins ténébreux que Tonight's The Night (difficile de faire plus drogué et sombre), l'album est noir. Mais apaisé. Et c'est de là que vient toute sa beauté. L'album capte à merveille ce moment de sortie de déprime où Neil était au sommet de son talent et commençait à voir le bout du tunnel. Revolution Blues, On The Beach et Ambulance Blues (et dans une moindre mesure Walk On) sont des morceaux qui sont parmi les meilleurs de sa discographie. Le reste des morceaux est au minimum très bon. Il a plusieurs fois touché le génie au cours de sa carrière avec ou sans Crazy Horse (After The Gold Rush ; Everybody Knows This Is Nowhere ; Ragged Glory ; Rust Never Sleeps), mais rarement avec une telle tristesse et une telle sincérité.

17/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.

Tracks : Thorn ; Black Woman ; Plastic ; Human Tornado ; If Only Two ; Nervous ; Dwaf It ; You Wish

La poussière retombe, se mélangeant avec le sable ocre du désert du désert des Mojaves. État de Californie. Au loin, nous parviennent encore les échos d'instruments portés par le vent. Le cirque a quitté la ville, laissant Sky Valley être balayée par un vent de poussière. Josh Homme est parti de son coté, sabordant Kyuss, pour aller s'enfermer dans des sessions musicales interminables dans le désert. C'est là, au milieu des volutes d'herbes et de LSD que défileront sous le soleil de plomb une pléiade de musiciens qui donneront peu à peu forme aux Queens Of The Stone Age. Mais si Josh Homme trouve un nouveau souffle dans ses desert sessions qui deviendront légendaires (et seront publiées dans plusieurs albums), les autres membres de son ancien groupe Kyuss ne bénéficient pas de la même notoriété. Brant Björk a quitté le navire depuis longtemps. Idem pour Nick Olivieri, même s'il rejoindra l'aventure Queens Of The Stone Age dès le deuxième album du groupe. Mais jusqu'au bout, John Garcia est resté fidèle à Kyuss. Autant que la guitare de Josh Homme ou la frappe très puissante de Brant Björk, la voix de Garcia est un élément central du groupe pionnier du stoner rock. Et le cirque quittât la ville. Désormais seul, Garcia se tourne vers deux autres compagnons de route, réfugiés au fond du désert eux aussi. Cela fait en effet longtemps qu'Arthur Seay (guitare) et Miguel Cancino (batterie) jouent ensemble. Mais il fallu l'arrivé de John Garcia et le remplacement du bassiste Eddie Plascencia par Dave Dinsmore pour qu'Unida naisse. Et pour que ce nouveau groupe prenne la piste du désert à la suite du chemin tracé par Kyuss. Le premier effort du combo est un split cd avec les suédois de Dozer, sobrement intitulé Unida/Dozer, paru en avril 1999. C'est le 16 novembre de la même année que le groupe, épaulé par le producteur Steve Feldman publie son véritable premier album, sur le label bien connu des fans de stoner, Man's Ruin Records. Nommé Coping With The Urban Coyote, l'album permet-t-il à John Garcia de prendre un nouveau départ après la fin de Kyss?

Si l'ombre du pachyderme psychotique Kyuss plane forcément tout au long du disque, le titre d'introduction Thorn balaie assez vite les comparaisons. Certes Unida joue du stoner, aussi lourd et puissant que Kyuss ou d'autres groupes du genre. Certes la voix est la même toujours aussi puissante et belle. Garcia est égal à lui-même, c'est à dire impérial. Pourtant, ce riff cyclique de guitare est beaucoup plus simple et immédiat que ce que pouvait faire Kyuss. Fuzz à fond, volume au maximum. Le message ne semble se limiter qu'à ça, contrairement aux essais expérimentaux de Kyuss ou aux velléités pop de Queens Of The Stone Age. Et pourtant ce titre d'introduction est d'une efficacité redoutable, porté par les guitares puissantes, une assise rythmique carrée et profonde et la gueulante superbe de Garcia. Et ce n'est pas Black Woman, déboulant pied au plancher qui viendra calmer le jeu. Parfois l'affaire semble ne se limiter qu'à un morceau joué avec tous les indicateurs dans le rouge. Black Woman semble être de ceux là, et l'osmose du groupe, sa cohérence et sa puissance nous frappent comme un train en pleine course. La basse de Dinsmore lancée dans un galop fou (tel un coyote fondant sur sa proie?), permet à Arthur Seay de nous livrer un solo de guitare aussi jouissif qu'impressionnant, surtout lorsqu'il s'éteint pour relancer le groupe dans avec ce son si gras propre au stoner.

Plastic permet ensuite de mettre à l'honneur la subtilité du chant de John Garcia, qui fait réellement des merveilles ici. On reste dans un rock heavy couillu et « simple », mais particulièrement jouissif. Et lorsqu'on a un tel chanteur qui pose sa voix sur une telle section rythmique (notamment le batteur), le caractère répétitif du morceau en devient vite son plus grand avantage... Puissant et hypnotique. Et puisqu'il n'y a aucun mauvais morceau sur cette galette, on poursuit avec Human Tornado, qui m'a fait découvrir l'album (merci à l'ami du Quart d'heure folk d'Alcazar). Ce morceau, carré, compact et puissant est on ne peut plus binaire. Ça en est d'autant plus jouissif. Le solo est d'ailleurs très percutant lui aussi.

Finalement, il faut attendre l'équivalent de la face B du disque avec If Only Two pour voir le groupe s'essayer un peu à d'autres choses. Ce titre est en effet un des plus atypiques du disque avec son introduction à la basse (rejointe peu à peu par la batterie puis la guitare), qui s'étend sur environ une minute. C'est aussi le morceau sur lequel Garcia nous offre sa meilleure prestation du disque avec une voix hurlée et éraillée absolument magistrale de puissance et d'émotion. La rage qui imprègne tout le disque trouve ici son expression peut-être la plus impressionnante et la plus passionnante. De quoi enchainer avec bonheur sur le beaucoup plus lourd et traditionnel Nervous à la section rythmique de pachyderme et au riff lourd, gras et écrasant.

Dwarf It, comme Black Woman au début de l'album rappelle les relents punk qui contribuent à faire naitre le stoner. Pied au plancher. Volume à fond. La puissance et l'énergie qui s'en dégage est incomparable, et ce court titre (2min33) est percutant. Le coyote ne connait pas le repos. Pourtant le voyage arrive à sa fin... Et c'est bien You Wish, le titre le plus long et le plus étrange de l'album qui achève notre traversée du désert. S'il y a un morceau où on retrouve un peu l'ambiance enfumée et psychédélique de Kyuss (et de beaucoup de groupes de stoner), c'est bien ce You Wish étrange, psychotique, au groove ténébreux et à la tension latente. Il n'y a aucun mauvais morceau sur Coping With The Urban Coyote. Mais You Wish par son ambiance étrange, planante et ténébreuse (cette introduction à la basse) est peut-être un des titres les plus indispensables du disque. A l'exception de tous les autres.

Avec ce premier album complet, Unida frappe en effet très fort. Avec une aisance et une décontraction impressionnante, ce combo accouche ni plus ni moins que d'une référence du stoner. Ni trop expérimental, ni trop psychédélique, ni trop pop. Le groupe se contente de jouer fort et puissamment des titres heavy plus percutants les uns que les autres. Ce Coping With The Urban Coyote est simple, peut-être sans prétentions. Il n'a pas forcément besoin d'herbe pour l'apprécier pleinement (contrairement à beaucoup d'albums de stoner). Probablement moins passionnant que les effort de Kyuss. Mais il est quasiment parfait dans son genre et dépasse très aisément le premier album de Queens Of The Stone Age. Il concurrence d'ailleurs très sérieusement Rated R, sorti la même année. Un disque à écouter fort, en toute décontraction. Mais toujours sans modération.

 

16/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.