Rock'N'Blog

Voilà, celà fait aujourd'hui quatre ans que le blog est ouvert.

L'année écoulée n'a pas été d'une activité folle, et je m'en excuse. L'année n'a pas été spécialement évidente pour moi, mais je prends toujours autant de plaisir à écrire, même si c'est peu fréquent. J'espère simplement que vous prenez du plaisir à lire les rares chroniques et que surtout vous êtes toujours aussi curieux en matière de rock... Merci en tout cas à vous de me lire.

En espérant que j'arrive à écrire ici encore pour un moment, je vous dis à bientôt! Et n'oubliez pas... Ce n'est que du rock n 'roll, mais c'est ce qu'on aime!

Moi-même.

Tracks : It’s A Long Way To The Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll) ; Rock ‘n’ Roll Singer ; The Jack ; Live Wire ; T.N.T. ; Can I Sit Next To You Girl ; Little Lover ; She’s Got Balls ; High Voltage

En 1975, le hard-rock est indéniablement en plein essor. Derrière les pionniers du genre qui ont explosés tous les records de puissance et de décibels au début de la décennie (Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple), des dizaines de groupes s’engouffrent, élargissant le sillon d’un blues-rock très lourd et puissant. 1975 est une grande année pour le hard. Led Zeppelin livre avec Led Zeppelin - Physical Graffiti (1975)  son album le plus fourni et ambitieux, Black Sabbath fonde quasiment le futur thrash metal avec Sabotage, tandis qu’Aerosmith devient un grand groupe avec son troisième disque Aerosmith - Toys In The Attic (1975), qu’Alice Cooper choque à nouveau l’Amérique avec Welcome To My Nightmare et que Kiss assoie sa réputation scénique avec le double live Alive !, grand classique du hard rock en concert. Et pourtant, le phénomène hard-rock ne concerne pas uniquement les anglais et les américains. 1975 voit l’émergence d’un futur géant du hard rock germanique avec In Trance, le troisième album de Scorpions, et voit surtout un nouveau groupe débouler tout droit d’Australie, toutes guitares électriques en avant : AC/DC. A l’époque, le groupe n’en est qu’à ses débuts, mené par un juvénile Angus Young déjà épaulé par son frère Malcolm à la guitare rythmique, Mark Evans à la basse, Phil Rudd derrière les futs et bien accompagné par un chanteur dont la voix sera (et est toujours) une des plus impressionnantes du hard : celle de Bon Scott.

C’est en 1975 que les deux premiers disques du groupe (T.N.T. et High Voltage) sortiront en Australie. Mais c’est grâce à une version internationale de High Voltage, retravaillée (elle comprend des morceaux des deux disques australiens) et publiée en 1976, que le groupe va faire son entrée fracassante dans le panthéon du hard-rock. C’est sur cette version d’High Voltage que je me penche aujourd’hui.

Clairement, si certains groupes ne prennent leur essor qu’après plusieurs albums (c’est le cas d’Aerosmith par exemple, qui ne deviendra énorme qu’à partir de Toys In the Attic et Rocks), les joyeux lurons d’AC/DC frappent fort d’entrée de jeu. Le premier morceau, qui servira de single au disque est une vraie profession de foi du rock binaire : It’s A Long Way To The Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll). Les paroles sont ultra basiques (évoquant le long chemin à parcourir pour devenir une rock star), mais permettent de faire connaissance avec la voix de Bon Scott. Ce n’est pas sa meilleure prestation vocale (il y a mieux, même sur le disque), mais clairement, ce chant blues éraillé, avec une gouaille et une puissance inimitables est délicieux. Si AC/DC est un groupe qui me fatigue pas mal ces dernières années (j’ai du mal avec Black Ice ou même The Razor’s Edge par exemple), la voix de Bon Scott (sans critiquer aucunement Brian Johnson), fait tout le charme de leurs premiers enregistrements. La rigueur et la précision rythmique du groupe (ce qui est d’ailleurs toujours sa marque de fabrique), la production rugueuse, la mélodie très entrainante du refrain et le surprenant mais finalement génial break de cornemuse finissent de faire d’It’s A Long Way To The Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll) le premier classique instantané du groupe. Le premier d’une longue série.

Mais des classiques, ce premier disque en compte (déjà !) plusieurs. A commencer par The Jack, morceau proprement ahurissant qui est toujours joué en live par AC/DC. Une des chansons  les plus ouvertement blues de leur répertoire d’ailleurs. Un titre qui pue allègrement le sexe et le whisky. Et qui parle surtout du premier. Sur un rythme très lent et lascif, Bon Scott se laisse aller à un chant extrêmement sexuel, véritable hymne misogyne à la baise. Et que dire de la guitare d’Angus, qui se révèle ici l’élève studieux (comme le montre sa tenue) de Muddy Waters ou de Jimmy Page ? Béatiquement sexuel, simplement jouissif. Du riff de guitare, de la rythmique excellente et prenante au chant éraillé et plein de gouaille, tout est parfait.

La face A du disque est d’ailleurs particulièrement jouissive car elle contient aussi un autre petit classique du groupe, Live Wire, qui sera publié en single à l’époque. On n’est pas au niveau de The Jack ou d’It’s A long Way To The Top (if You Wanna Rock ‘n’ Roll), mais la rythmique très lourde, notamment la batterie de Phill Rudd et les prouesses à la guitare d’Angus qui livre ici un joli solo, couplé avec l’énergie farouche du groupe font de ce titre un morceau très solide du répertoire du groupe à ses débuts. Ce qui associé avec l’efficace et sympathique Rock ‘n’ Roll Singer fait de la face A de ce disque une entrée en matière discographique qui pourrait être enviée par bien des groupes.

Mais c’est encore un énorme classique d’AC/DC qui nous accueille sur la face B, avec le dantesque et joyeusement régressif T.N.T. Clairement, on a affaire ici à un morceau taillé pour les stades. Clairement, on a affaire à un hymne du rock n roll binaire, tant son riff est addictif et tant les chœurs scandant le « oi,  oi, oi ! » en intro et après le solo de guitare sont grégaires et jouissifs. Le rythme du morceau, bien servi par Phil Rudd et l’usage des contretemps et des silences (qui permettent de caser d’autres « oi, oi, oi » en concert) en font un gros pilier du répertoire live du groupe. Monstrueux, et magnifié en concert (comme sur le live At Donington de 1992).

Après ça, un morceau plus boogie rock (qui m’évoque un peu Status Quo d’ailleurs) comme Can I Sit Next To You Girl parait nettement plus anodin. Il l’est, mais n’est pas forcément mauvais pour autant. Révélant les racines blues et boogie du groupe,  il est surtout sublimé par le timbre bluezy et la gouaille sexuelle de la voix éraillée de Bon Scott. On n’imagine moins le plus puissant Brian Johnson sur ce titre. De même, le langoureux et torride blues Little Lover est caractéristique des débuts d’AC/DC. Le riff est un peu sale, la rythmique assez lente et lourde et le chant de Bon Scott est éraillé et un peu vicieux. Même le solo de guitare d’Angus, loin de son style futur, vaut le coup qu’on s’y arrête, même si sur cet album, The Jack est nettement plus fédérateur et puissant. L’amusant She’s Got Balls (quelle poésie !) vaut lui aussi pour son rythme fait pour taper une chope de bière sur un comptoir de pub et pour le chant primal et primaire de Scott, qui répond à merveille aux soli d’Angus dans un joli dialogue musical. Enfin le morceau titre qui clôt l’album, s’il est paradoxalement celui que j’aime le moins ici, dégage un capital sympathie susceptible de satisfaire n’importe quel amateur de rock, sans pour autant le transcender.

De toute façon, n’importe quel amateur de rock plus ou moins musclé devrait trouver son compte à l’écoute de ce premier essai international d’AC/DC. Car High Voltage est à mon sens un des opus les plus attachants du combo australien. Révélant à merveille les influences blues du groupe, ce disque à la production rugueuse propose déjà la formule qui fera de ce groupe un monstre du hard-rock : rythmique millimétrée, guitare hard-blues survoltée et chant surpuissant et extrêmement sexuel. Il contient en outre trois grands classiques du groupe, It’s A Long Way To The Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll), The Jack et T.N.T. et ne contient aucun titre réellement mauvais. Tout au plus Rock ‘n’ Roll Singer, She’s Got Balls et High Voltage sont anodins. Un disque qu’au final, je trouve plus attachant que le mythique Highway To Hell, et que j’écoute plus souvent (et qui est un de mes préférés d’AC/DC avec Let There Be Rock et AC/DC - Back In Black (1980)). Des débuts en fanfare, assurément.

15/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.

Tracks : Driftin’Back ; Psychedelic Pill ; Ramada Inn ; Born In Ontario ; Twisted Road ; She’s Always Dancing ; For The Love Of Man ; Walk Like A Giant ; Psychedelic Pill (Alternate Mix)

Parfois l’écriture est une maitresse bien capricieuse… Pour tout le monde. Même quand on est un des plus grands génies de l’histoire du rock. Suite à un AVC, les médecins ont demandé à Neil Young de complètement arrêter de fumer de la marijuana. Pour l’éternel hippie qu’est le Loner, fumeur d’herbe depuis presque un demi-siècle, le coup est rude. La muse de l’écriture s’est-elle enfuie avec cette obligation d‘arrêter de fumer ? C’est ce que Neil Young semble se demander à demi mots dans son autobiographie parue l’an dernier. Pourtant son talent littéraire est toujours là, c’est indéniable à la lecture de ce très bon livre. Alors quel est le problème ? « S’enfermer dans la grange avec le Crazy Horse, jouer des heures durant jusqu’à ce que la muse revienne ». Voilà qui résume l’état d’esprit de Neil Young en 2012. Il faut dire que tout au long de ses plus de quarante ans de carrière, Neil Young n’a jamais été aussi bien soutenu que par le Crazy Horse, ce groupe composé de Frank Sampedro à la guitare, Billy Talbot à la basse et Ralph Molina à la batterie. Beaucoup des chefs d’œuvre du Loner ont été publiés avec ce groupe (Rust Never Sleeps, Zuma, Everybody Knows This Is Nowhere). Mais depuis le moyen Greendale en 2003, Neil Young n’a plus enregistré un seul album avec son cheval fou fétiche. Bien décidé à rectifier le tir et à apprendre à écrire sans l’herbe, Neil Young s’enferme donc dans sa grange. Avec Crazy Horse, fidèle à sa parole. En ressort début  2012 Americana, un premier galop d’essai  agréable de reprises de standards américains. Cependant, malgré la sympathie qu’inspire la galette, un vulgaire disque de reprises exécutées timidement ne saurait être à la hauteur des attentes suscitées par le retour de Neil Young et du Crazy Horse. C’est alors que fin 2012, Neil Young publie à nouveau un album, double cd (triple vinyle !), son plus long effort à ce jour : Psychedelic Pill. Tout un programme. 

Etonnamment, c’est le Loner seul qui nous accueille sur Drifin’ Back, uniquement armé d’une guitare acoustique.  Pourtant tel un cheval qui se lance au galop, le Crazy Horse entre vite en scène. D’abord par les guitares électriques, puis lorsque la section rythmique qui sonne comme nulle autre pareille lance la chevauchée. Nous voilà partis pour un voyage de 27 minutes, très électrique et aérien, où les guitares électriques très saturées grondent et se répondent sans discontinuer sur une rythmique planante et lourde à la fois. Le retour aux jams du Crazy Horse dignes de Ragged Glory ou d’Everybody Knows This Is Nowhere. Les solos s’enchainent, se répondent et se contredisent tandis que la section rythmique poursuit son trot, tranquille et implacable, guidée par les martèlements lourds et secs de Ralph Molina à la batterie et la basse chaude de Billy Talbot. De temps en temps, la voix de  Neil survole l’ensemble, aérienne, émouvante, gravant dans nos mémoires le refrain « I’m driftin Back » comme un mantra. Un galop tranquille, d’une puissance sereine qui n’a finalement pour seul « défaut » que sa longueur, qui le rend parfois un peu redondant. Ce qui permet aussi de prendre le temps de voyager au gré des paysages imaginaires du grand ouest américain qui défilent dans nos têtes à l’écoute de ce titre…

Un des « avantages » d’avoir ce disque en vinyle est d’ailleurs que Drifin’ Back est coupé en deux (trop long pour tenir sur une seule face), ce qui mine de rien donne un peu d’air à l’auditeur au milieu du voyage. Comme quoi un défaut technique peut parfois  être une qualité …

La suite est encore plus expérimentale avec le court titre Psychedelic PIll qui donne son nom à l’album et qui est complètement noyé sous le flanger, un effet de production qui rend cette pilule complètement… Psychédélique. Tous les instruments et la voix sont noyés dans un son brumeux, amplifié et distordu. L’abus du flanger rend ce titre comme l’acide : C’est cool, mais mieux vaut ne pas en abuser. Il y a d’ailleurs une version du titre avec un mixage plus classique à la fin du disque (ou au début de la face 3 en vinyle), qui fait mieux ressortir le coté très rageur du riff et la solide colère que peut dégager le Crazy Horse. Certes, Neil et les siens ne partent plus dans des galops frénétiquement colériques comme sur Ragged Glory ou Rust Never Sleeps, mais ils restent capables avec des morceaux comme celui-ci de tenir la dragée haute à bien des jeunes groupes. On n’apprend pas au vieil hippie à faire la révolution.

Le meilleur est cependant encore à venir avec Ramada Inn. Là encore, le Crazy Horse prend son temps. Le morceau s’étend sur 16 minutes 30. Pour mon plus grand bonheur, car on touche ici au génie absolu. Ramada Inn est un des trois plus grands morceaux du disque avec She’s Always Dancing et Walk Like A Giant. Ce titre démarrant sur un solo de guitare évoquant les plus grandes heures de Neil Young (Cortez The Killer de l’album Zuma, n’est pas loin) est très nostalgique et doux. La rage de Driftin’ Back et de Psychedelic Pill s’efface ici pour que Neil évoque avec mélancolie une douce romance qui s‘étire au fil des âges. Le temps passe, mais l’amour et les vieux amours restent… Et que le temps passe vite sur Ramada Inn avec ce rythme doux du Crazy Horse qui nous berce, les grondements électriques apaisants des guitares et les soli plus émouvants et doux les uns que les autres de Neil Young… Et que dire de ce chant, toujours à la limite du juste, mais toujours bouleversant ?

Après un tel sommet, le rock assez basique et classique de Born In Ontario, où Neil Young évoque sa jeunesse canadienne parait forcément un peu fade. Le morceau n’est cependant pas désagréable, notamment grâce au chant de Neil Young et à la mélodie du refrain plutôt agréable et qui se retient bien. La nostalgie est d’ailleurs aussi au programme avec l’anecdotique Twisted Road où Neil évoque la première fois qu’il a entendu Like A Rolling Stone de Dylan et le Grateful Dead à la radio. C’est d’ailleurs le titre le plus dispensable du disque, avec un Neil relativement radoteur pour le coup et un morceau très peu inspiré…

Heureusement  She’s Always Dancing qui commence avec les chœurs du Crazy Horse tutoie à nouveau les sommets. Neil et son cheval fou se lancent à nouveau dans une cavalcade plus courte et sobre que Driftin’ Back ou Ramada Inn (ce morceau ne dure « que » 8min33), mais tout aussi efficace. Si ce n’est plus. Les coups secs de batterie fournissent à nouveau un socle parfait pour les soli de guitare, toujours aériens, mélancoliques et absolument fantastiques… La rage tranquille du Crazy Horse, associée au charisme surnaturel de la voix de Young donne ici un nouveau chef d’œuvre, qui aurait presque pu être enregistré en 1975. Tout comme la douceur veloutée de For The Love Of Man, ballade aux accents acoustiques qui prouve qu’en termes de ballade crève cœur, le Loner est définitivement un maitre en la matière. Une petite chanson douce, simple et humble, mais qui frappe juste.

Et c’est un immense titre, Walk Like A Giant, qui vient conclure Psychedelic Pill (le mix alternatif du morceau titre est situé après ce morceau sur le cd). Attention, joyau. Pour la troisième fois (Driftin’ Back étant trop long pour pleinement mériter le titre de chef d’œuvre), Neil Young et le Crazy Horse frappent très très très fort. Le Loner, éternel hippie devant l’éternel nous parle ici d’écologie, un sujet qui lui tient particulièrement à cœur (il évoque très régulièrement son obsession pour les voitures à l’éthanol dans son autobiographie), et nous emmène avec son Crazy Horse dans un périple absolument prodigieux, où l’on tutoie les cimes de tous les paysages montagneux du monde. Rugueux le titre l’est. Rageur aussi quelque part. Chaque coup de batterie sonne ici comme un mini séisme. Mais il y a aussi une tension très aérienne dans les grondements orageux des guitares, et les sifflements de Neil Young nous servent de guide, tel un rapace nous faisant contempler depuis les hauteurs les traces laissées par les géants sur notre bonne vieille Terre… Autant dire qu’en 16 minutes 27, on a le temps de voir de magnifiques paysages défiler… Même si malheureusement, les deux dernières minutes du morceau sont absolument chiantes et inutiles.

C’est peut-être d’ailleurs un des seuls reproches qu’on peut vraiment adresser à ce disque : il est trop long. Walk Like A Giant pourrait être coupée d’au strict minimum 3 ou 4 minutes, il y a une version en trop du morceau titre, Twisted Road et Born In Ontario ne sont pas spécialement indispensables (sans être de mauvaises chansons) et Driftin’ Back mériterait facilement 10 minutes de moins. Mais il faut bien reconnaître que malgré ses longueurs, ce disque est une vraie mine d’or… On n’avait pas entendu Neil Young & Crazy Horse aussi inspirés et bons depuis… Ragged Glory en 1990 ? Le groupe retrouve tout son savoir faire : émotion et nostalgie adossées à une rage électrique et à un son saturé et sale qui a lancé les bases du grunge il ya 30 ans. Et si le cheval ne galope plus avec la vigueur de ses jeunes années, il est encore capable de mener une course de fond qui distance tout le monde et impose comme indispensable en 2012 un disque de Neil Young.

16/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.

Traditionnellement, la France et le rock ne font pas bon ménage. A quelques rares et magnifiques exceptions près, notre pays n'a jamais été un grand exportateur de rock. Cependant, en ces temps où le redressement productif est à la mode, le port de la marinière et l'écoute d'un rock made in France qui aurait sur s'exporter redeviennent compatibles. Notamment car il existe un domaine dans lequel les français excellent et qui fait régulièrement chavirer les cœurs anglo-saxons : l'électro-pop. De  Air - Moon Safari (1998) à Phoenix, certains groupes ou artistes français ont su imposer outre-atlantique une vision de la musique pop-rock, légèrement électronique, moderne, racée et élégante. Historiquement, on peut même remonter plus loin pour trouver un ancêtre à cette démarche. Avec  Serge Gainsbourg - Histoire de Melody Nelson (1971) comme référence consciente ou non à cette façon de voir la musique. Il suffit de prononcer le nom de Gainsbourg devant un anglais pour voir une lueur émerveillée apparaître dans son regard. Ah Melody... Coïncidence troublante. La nouvelle étoile montante de l'électro-pop à la française s'appelle justement Melody. Melody's Echo Chamber. Son premier album éponyme, co-écrit et produit avec le génie australien Kevin Parker (qui est le cerveau de Tame Impala et joue aussi dans l'excellent Pond), a été une des sensations de la fin de l'année dernière. Si bien que lorsque j'ai vu qu'elle posait ses valises le temps d'un concert au Temps Machine à Tours, j'ai sauté sur l'aubaine. A 10€ le concert, j'aurai eu tort de m'en priver. Et je voulais voir si cette chambre d'écho de Melody parvenait à être aussi charmante sur scène que sur disque, malgré l'absence de Kevin Parker à la production et aux instruments.

Saluons tout d'abord le choix de programmation du Temps Machine, qui en faisant venir Aline (ex Young-Michelin) et Melody's Echo Chamber mercredi soir a rencontré un joli succès. Prévu initialement dans le club d'environ 200 places, le concert a finalement eu lieu dans la grande salle de 600 places au deux tiers pleine. Après tout, même votre humble serviteur, râleur impénitent sur la programmation « pointue » du Temps Machine était très content d'être là mercredi soir. De quoi saluer ces efforts sur la programmation, puisque ces derniers temps, de Lou Douillon à Melody's Echo Chamber en passant par la soirée THACKT dans laquelle ont été programmés trois groupes tourangeaux et où le club était plein, je suis de plus en plus content d'aller au Temps Machine.

Pourtant, je dois bien avouer que je n'ai pas spécialement adoré Aline, quintet de pop en français qui rencontre un certain succès en ce moment. Composé d'un guitariste soliste, d'un guitariste et chanteur, d'un bassiste, d'un joueur de synthé (et de tambourin!), et d'un batteur, Aline joue des chansons de pop-rock très influencées par les années 80, The Smiths ou The Cure en tête. Sauf qu'ils chantent en français (ce qui du coup renvoie peut-être à d'autres groupes ou artistes que je ne connais pas, comme le Etienne Daho des débuts). Résolument enjouées et dansantes, leurs mélodies chantées en français et jouées pied au plancher sont efficaces et semblent marcher sur le public du Temps Machine. Malheureusement, si je reconnais bien volontiers que leurs morceaux sont bien ficelés, bien composés et interprétés, la musique des cinq garçons d'Aline me laisse assez froid. Le son des années 80, très largement copié ici notamment avec le synthé et le son de batterie bourré de réverbération, est en effet un sacré allergène sur moi. De même, je ne suis globalement pas un grand fan de musique « naïve » comme celle de ce quintet (bon je n'écoute pas que Joy Division ou les Doors non plus hein!), et j'aurai probablement préféré qu'il chante en anglais. La comparaison avec les Smiths (auxquels le groupe ressemble vraiment parfois, ce qui est quand même super cool) marque d'autant plus ma préférence pour l'anglais. Le chanteur chante un peu de façon maniérée comme Morrissey, mais le français ne s'y prête pas très bien je trouve... Bon après, je suppose que ce choix du groupe est une composante essentielle de leur identité et fait en partie leur charme sur ceux qui l'ont apprécié. Il y a néanmoins quelques chansons que j'ai trouvé très agréables, et leur set d'une cinquantaine de minutes était suffisamment bien fait pour que je reste jusqu'au bout et que je passe un bon moment, malgré mon aversion pour ce type de musique. C'est dire l'efficacité de ce groupe.

Le temps d'une cigarette réglementaire (mais pas de bière, voiture oblige), et Melody investit les lieux, accompagnée de son groupe de scène. Deux guitaristes (un se chargeant aussi du synthé à certains moments du concert en plus de Melody elle-même), un bassiste et un batteur ne sont en effet pas de trop pour recréer sur scène l'ambiance éthérée et rêveuse de Melody's Echo Chamber. Le set démarre avec le premier (et excellent) morceau du disque, I Follow You et séduit d'emblée. L'atmosphère rêveuse et cotonneuse du disque, cette alliance étrange entre grosses guitares et synthés aériens et ces mélodies bourrées d'effets psychédéliques concoctés avec Kevin Parker ressortent très bien sur scène. La qualité du son de la grande salle du Temps Machine et le boulot de l'ingénieur du son sont à saluer. Et la qualité du chant de Melody aussi... Car j'avoue, c'est ce qui m'avait le plus gêné les premières fois que j'ai écouté le disque. Le chant est assez aigu, parfois un peu enfantin, et je déteste en général ce genre de voix. Mais finalement, à force d'écoutes, j'ai du finir par l'apprivoiser, et j'imagine assez mal maintenant un autre chant sur ce disque. Et voir Melody's Echo Chamber sur scène n'a fait que renforcer ce sentiment. Ce disque à l'atmosphère planant doit être bâti autour de cette voix fragile et un peu aiguë, seule guide au milieu de tous ces effets psychédéliques.

Le groupe enchaine ensuite les morceaux dans un ordre assez proche de celui de l'album (I Follow You s'enchainant si mes souvenirs sont bons avec You Won't Be Missing That Part of Me, Some Time Alone, Alone et Bisou Magique) et recrée à merveille cette ambiance rêveuse qui le caractérise. L'osmose entre les musiciens, notamment le batteur et le bassiste, transporte aisément le public dans un monde étrange où la guitare et le synthé s'entremêlent dans une valse fascinante. Un titre comme Bisou Magique, malgré ses paroles niaises, est une vraie friandise douce et savoureuse, presque aussi évocateur qu'un acide. Et l'interprétation sans faille du groupe en fait un vrai petit bijou.

 

La deuxième partie du disque étant un peu plus faible, on pouvait craindre un léger essoufflement du concert sur sa fin. En fait, il n'en a rien été. Notamment grâce au talent des musiciens qui se sont lancés à plusieurs reprises dans des gros jam psychédéliques (dont un a bien dû durer une dizaine de minutes) du plus bel effet. Même si c'est assez évident et facile de dire ça, le groupe évoquait beaucoup à cet instant les penchants les plus rock des disques de Tame Impala. Pour mon plus grand bonheur. Car cette montée en puissance du groupe qui est devenu de plus en plus rock et psychédélique au fil du concert fait qu'on ne s'ennuie donc à aucun moment. C'est un sans-faute. Le set durant lequel tout l'album ou presque est joué (je ne ne crois pas que Be Proud Of Your Kids ait été jouée) est bref (une cinquantaine de minutes), mais d'une efficacité redoutable. Melody s'excusera d'ailleurs la fin du set pour sa brièveté, mais comme elle l'a justement fait remarquer, elle n'a qu'un seul album à son actif. Vivement le prochain disque alors! Et vu la qualité du concert, elle est amplement excusée pour sa brièveté et elle est la bienvenue pour revenir quand elle veut à Tours.

Moi-même.

Tracks : Club Foot ; Processed Beats ; Reason Is Treason ; I.D. ; Orange ; L.S.F. (Lost Souls Forever) ; Running Battle ; Test Transmission ; Pinch Roller ; Cutt Off ; Butcher Blues ; Ovary Stripe ; U Boat

Tout comme sa voisine Liverpool, Manchester est une ville partageant deux passions, voire deux religions : le football et le rock. La domination sans partage de Manchester United sur le championnat anglais et européen depuis 20 ans et l’émergence de Manchester City n’ont d’égal que l’importance des groupes mancuniens dans l’histoire du rock anglais. The Hollies et les Herman’s Hermits dans les années 60, Joy Division ou les Buzzcocks à la fin des années 70, New Order, The Stone Roses ou The Smiths dans les années 80, Oasis dans les années 90, autant de groupes majeurs de l’histoire du rock qui sont nés dans les quartiers de cette grande ville (dés)industrialisée du nord de l’Angleterre. Pourtant en 2004, le rock mancunien n’est pas spécialement à son apogée. Oasis est au creux de la vague et l’électro-rock qui s’écoutait dix ans plus tôt les yeux gorgés d’ecstasy ne fait plus recette, ringardisé par le punk nerveux des londoniens des Libertines. La situation est néanmoins bien meilleure en football avec trois titres en quatre ans pour Manchester United en championnat. De quoi inspirer une nouvelle génération de musiciens qui dans les pubs de la ville attendent leur tour, prêts à succéder à Oasis. C’est ainsi que parait le 17 mai 2004 le single Club Foot, venant d’un nouveau groupe de rock de la ville nommé Kasabian. Si leur premier single Reason Is Treason n’avait pas marché, Club Foot va littéralement cartonner, plaçant la sortie du premier album du groupe en septembre (sobrement intitulé Kasabian) sous les meilleurs auspices. Avec une recette simple : foot+rock+électro, combinaison gagnante pour beaucoup de groupes de la ville depuis 20 ans.

Le disque démarre de la meilleure des manières avec ce véritable hymne de stade qu’est Club Foot. D’emblée, Kasabian impose sa formule, remettant au gout du jour les recettes du rock prolétaire mancunien : énorme ligne de basse, nappes de synthé et guitares surfs dignes de la scène Madchester (New Order ; Stone Roses), chant puissant légèrement déformé et chœurs planants et entêtants. C’est grandiloquent, mais d’une efficacité redoutable notamment grâce à cette ligne de basse monstrueuse et à cette ambiance enfumée. Consécration ultime pour Club Foot, le titre servira à Sky Sports pour ouvrir tous les matchs de Premier League. Un véritable hymne à la gloire du rock et du foot on vous dit.

Malheureusement, si Processed Beats est aussi un morceau très porté sur les nappes de synthé et les petits bidouillages électroniques, la formule prend moins bien. L’ambiance psychédélique et nonchalante est sympathique, mais il y a néanmoins assez peu à se mettre sous la dent ici.

Reason Is Treason, avec sa ligne de basse imposante pourrait faire croire que le titre prend la même direction que Club Foot, mais malheureusement, si cette ligne de basse est particulièrement plaisante, le titre est trop répétitif pour être convaincant de bout en bout. Le pont électronique au milieu du titre est assez téléphoné. Dommage…

Et malheureusement, ce n’est pas le très psychédélique I.D. avec son ambiance très planante et son beat très lourd qui me ramène vers le disque. Le titre n’est pas désagréable, soyons clair, mais cette ambiance un peu orientale qu’il cherche à distiller n’est pas super convaincante. Disons que c’est très en dessous de ce que faisait Radiohead à la même époque ou de ce que fera Kasabian sur les albums suivants. Le très court Orange, qui semble tout droit sorti de la BO d’Orange Mécanique est quant à lui complètement inutile.

Néanmoins le groupe se relance assez efficacement avec l’autre grand single de ce premier album : L.S.F. (Lost Souls Forever). Très électro, ce morceau est porté par des chœurs très entêtants (dont le groupe abuse sur ce disque, mais c’est ici à raison) et un chant puissant et crâneur de Tom Meighan qui en font un morceau électro-rock extrêmement efficace. Moins que Club Foot, mais supérieur au reste du disque.

Car le très calme Running Battle qui suit retourne à cette bouillie électro-rock qui caractérise les premiers morceaux et qui sans être désagréable peine à vraiment intéresser. En plus la fin donne l’impression que le morceau a été coupé brutalement et c’est vraiment quelque chose que je déteste au plus haut point.

Test Transmission mérite par contre d’être signalé, car d’une part c’est le premier titre chanté par le guitariste Sergio Pizzorno (qui est devenu depuis le leader du groupe) et d’autre part il montre des influences psychédéliques qui évoquent clairement plus les Beatles de l’époque Relvover que les Stones Roses. Bien sur, l’électro est encore présent dans cette chanson qui comporte beaucoup de synthés, mais les guitares électriques et les différents effets sur leur son rappellent clairement le psychédélisme des années 60, pour notre plus grand plaisir. L’influence des Beatles ira d’ailleurs crescendo sur Kasabian par la suite…

Passons rapidement sur la fin du disque qui n’est pas très brillante, que ce soit la courte et inutile Pinch Roller (qui avec Orange et Ovary Stripe avaient été virées sur la version américaine de l’album, je salue ce choix) ou la très rap/funk Cutt Off qui a le mérite d’essayer d’autres choses mais qui au final ne marche pas vraiment et qui a en plus un pont de synthés assez laid. De même Butcher Blues est bien trop répétitive pour être vraiment convaincante et le morceau instrumental Ovary Stripe peine à vraiment me toucher ou me faire planer. Trop électronique pour moi je suppose.

Enfin le final U-Boat (avec en morceau caché un remix de Reason Is Treason) me laisse lui aussi de marbre, concluant ce disque qui avait pourtant bien commencé sur une déception.

Pourtant j’adore Kasabian. Mais je dois bien admettre que la direction musicale choisie pour ce premier album ne m’emballe que modérément. Cet électro-rock de stade peine en effet à m’intéresser et à part les méga tubes Club Foot et L.S.F., je ne prends pas vraiment un plaisir fou à écouter ce disque. Le principal compositeur et guitariste Christopher Karloff quittera d’ailleurs le groupe après ce disque, laissant la place à Sergio Pizzorno qui orientera le groupe vers un style plus pop-rock qui lui permettra d’écrire les deux derniers et excellents albums du groupe :  Kasabian - West Ryder Pauper Lunatic Asylum (2009) et  Kasabian - Velociraptor! (2011). Et à l’ombre de ces deux disques, ce premier opus éponyme fait vraiment pale figure aujourd’hui, même s’il est l’acte de naissance d’un immense groupe.

11/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.