Rock'N'Blog

Setlist The Paper Plane : Instrumental Jam ; Neverland ; She's Like ; Look At Me ; Hysteria ; When you Swing ; High & Oversexual ; I'll Make You Fall ; Words ; Edgar's Will ; (Rappel) Take It Easy

 

Setlist The Radiophones : Hurricane ; Raindrops ; How Does It Feel ; Losing Control ; (Untitled) ; Settle Down ; Another Day ; Part Time Loser ; Don't Start Today Tomorrow ; Miss You ; Travel The World ; Devil Inside ; (Rappel) Hurricane

 

Pour les non tourangeaux, autant dire tout de suite que Rouziers est en réalité un petit village situé à une quinzaine de kilomètres de Tours. C'est dans ce village que se situe la très belle salle de spectacles « Les quatre vents ». C'est ici que nous avions rendez-vous samedi soir. Car c'est là que les Paper Plane et les Radiophones, groupes émergents de la scène tourangelle, nous attendaient ce 4 février. L'un est pop (The Radiophones), l'autre rock (The Paper Plane). Rolling Stones contre Beatles? C'est un peu ça, à notre échelle bien sur. Et comme pour leurs glorieux ancêtres, l'opposition est purement fictive. Invention de «critiques» dans mon genre. Les deux groupes sont amis. Une amitié qui dure depuis plusieurs années d'ailleurs. C'est donc ensemble qu'ils nous avaient invités à Rouziers pour assister un concert qui se démarquait déjà par la beauté de la salle. Il est en effet assez rare de voir des groupes locaux dans un si beau cadre. Cela change des pubs et bars de la ville. Et rien que pour ça, ça valait le coup de braver le froid et les départementales hasardeuses du nord de l'Indre et Loire.

 

C'est aux Paper Plane qu'il est revenu d'ouvrir le bal. Une sorte d'accord amiable entre les deux groupes qui permuteront lors de leur prochain set ensemble. Cela faisait longtemps que je n'avais pas vu le groupe sur scène (2010), même si leur année 2011 a été très chargée avec une livraison d'excellents nouveaux morceaux. Après une jam instrumentale nerveuse et efficace, le groupe enchaine justement avec une poignée de ces nouveaux morceaux. L'excellent Neverland (une de leur meilleurs compositions à ce jour), le stonien She's Like (dont le son de guitare rappelle The Rolling Stones - Sticky Fingers (1971)), ou le salace et rentre dedans When You Swing au refrain particulièrement percutant nous renvoient d'emblée vers les plus grandes heures du rock. Mais nous sommes en 2012, du coté de Tours. L'affaire est oubliée grâce à ces quatre là qui bénéficient en plus ce soir d'un très bon son. Quel plaisir d'entendre correctement la section rythmique formée par Vince (le bassiste) et Arnaud (le batteur)! Quel plaisir de pouvoir entendre la densité rythmique du final de Look At Me (un de mes morceaux préférés du groupe) ou de l'effréné single (à paraître) Take A Look Away! Malgré quelques flottements dus à des soucis de setlist difficilement lisible, le groupe fait mouche avec chacun des nouveaux morceaux. Il se permet même de ralentir la cadence pour un slow atypique, High & Oversexual. Peut-être un de leurs morceaux les plus étonnants, mais finalement un des plus attachants aussi... A mi-chemin entre la ballade traditionnelle et la beauté lancinante de Sunday Morning du Velvet Underground, High & Oversexual montre un nouveau visage des Paper Plane, tout aussi séduisant que les morceaux précédents. D'ailleurs High & Oversexual marque un tournant dans le concert, composé jusque là de nouveaux morceaux parus seulement sur Noomiz, car le groupe finit le concert avec des morceaux provenant uniquement de son premier album (The Paper Plane - The Paper Plane (2010)). Vieux morceaux, certes. Mais pas obsolètes pour autant. Il fallait entendre le groupe se déchainer sur les longs Words et Edgar's Will, littéralement explosifs sous les soli de Thibault et les martèlement d'Arnaud derrière les futs. Le groupe les joue toujours avec un plaisir non feint. On les entend toujours avec un plaisir non feint. Le show se confluera en rappel par Take It Easy, vite expédiée, mais toujours efficace grâce à son refrain fédérateur.

 

Pour écouter leurs nouvelles (excellentes) compositions et quelques anciennes, c'est ici : link

Le temps d'une cigarette ou d'une bière (courageux/suicidaires fumeurs par un tel froid), et ce sont les Radiophones qui prennent le relai dans une salle acquise à leur cause par l'ouverture des Paper Plane. Le set est l'occasion pour le guitariste Paulo d'inaugurer son nouveau jeu de pédales d'effet, et l'occasion pour moi de voir les Radiophones dans leur nouvelle formation avec un bon son. Et le moins que je puisse dire, c'est que le groupe est particulièrement en forme. Depuis que je les suis (ça doit remonter vers 2009), il est évident que le groupe progresse. Mais ce soir, ils semblaient avoir franchis un nouveau seuil. Lorsque je les avais vu la dernière fois, les conditions étaient médiocres (mauvais son, chanteur à moitié malade). Cette fois les conditions sont impeccables, et les nouveaux choix artistiques du groupe (l'inclusion d'un clavier, la multiplication des effets de guitares) ne met que plus en avant la qualité des nouvelles compositions. Car réellement le set est impeccable de bout en bout, de cet Hurricane dévastateur d'introduction (qui sert aussi de rappel, même si j'aurai préféré un autre titre non joué), en passant par les aériens Another Day ou les musclés Devil Inside (dernière chanson révélée par le groupe, qui fait office de décharge d'adrénaline en live) ou ma petite préférée How Does It Feel et son attaque de guitares rappelant les grands moments des Strokes. Le concert est d'autant plus dynamisé par une impeccable prestation du batteur Romain, puissant et particulièrement à son aise pour mener les débats... Ce qui permet au reste du groupe de parfaitement se caler. Le nouveau jeu de pédales d'effets pour la guitare soliste a d'ailleurs fait ses preuves et l'inclusion du clavier sur laquelle j'étais un peu perplexe initialement (ne sachant trop quoi en penser) se révèle comme une très bonne idée. Un groupe élégant parfaitement à son aise donc, qui nous gratifie de deux nouveaux morceaux (je vais d'ailleurs vous en faire partager un en fin d'article), et même d'une jolie reprise de Miss You des Stones qui permet au bassiste d'être à l'honneur... Alors comme ça même les amateurs de pop se mettent aux Stones? Où va-t-on ma pauvre dame?

A découvrir ici : link

Ce qui est certain en tout cas, c'est qu'aller à un concert des Paper Plane et des Radiophones, c'est aller à un excellent concert, tant les deux groupes, pourtant différents l'un de l'autre, savent créer une alchimie ensemble et séparément. A découvrir de toute urgence donc en studio comme en live. D'ailleurs pour les tourangeaux, les deux groupes jouent au pub Le Pale le 18 février prochain.

Moi-même.

Comme promis l'inédite des Radiophones :

Tracks : Hot Stuff ; Hand Of Fate ; Cherry Oh Baby; Memory Motel ; Hey Negrita ; Melody ; Fool To Cry ; Crazy Mama

 

En 1975, les Stones vont mal. Très mal même. Le groupe, qui 3 ans plus tôt était à son sommet et considéré comme le groupe le plus dangereux du monde n'est plus que l'ombre de lui-même. Les deux albums précédents (Goats Head Soup et The Rolling Stones - It's Only Rock 'n' Roll (1974)), même s'ils sont (très) bons, semblent juste honnêtes à coté des chefs d'œuvres de la période 68-72. Pire encore, Mick Taylor le guitariste prodige incorporé en 1969 pour remplacer Brian Jones décide de claquer la porte. Les raisons en sont floues, encore aujourd'hui. L'histoire dit qu'il était insatisfait du manque de reconnaissance de ses talents de composition, que le duo Jagger/Richards pillait allégrement et créditait à son nom. L'histoire dit aussi qu'étant accro à l'héroïne, il valait peut-être mieux pour lui s'éloigner du grand cirque orgiaque qu'était les Rolling Stones à l'époque. La décision lui a peut-être sauvé la vie, mais a couté cher au groupe. D'autant plus que Mick Taylor n'était pas le seul accro à l'héroïne du groupe. Cette poudre blanche, Keith la connait bien lui aussi. Trop bien d'ailleurs. Il est plongé dedans depuis la fin des années 60. Il ne la lâchera que vers la fin de la décennie. C'est cette poudre qui le plonge dans un état second permanent, et qui lui a ôté son ami Gram Parsons, décédé deux ans plus tôt. Le rêve opiacé d'Exile On Main Street est donc terminé et c'est Mick Jagger qui est obligé de prendre en main les Stones. La première mission est de trouver un nouveau guitariste. Trois candidats se succèdent : Harvey Mandel (ex Canned Heat), Wayne Perkins (qui a travaillé avec Bob Marley et les Wailers)et Ronnie Wood. Finalement, c'est ce dernier, ancien guitariste des Faces et bassiste du Jeff Beck Group ( The Jeff Beck Group - Beck-Ola (1969) ) qui est choisi. Plus pour son coté rock n'roll et sa forte amitié avec Keith Richards que pour ses talents de guitaristes diront les mauvaises langues. Armé de ce nouveau renfort, les Rolling Stones retournent donc à Munich (l'Allemagne étant un des derniers endroit où Keith n'est pas interdit de séjour) pour enregistrer le successeur d'It's Only Rock N'Roll. Prévu initialement pour l'été 75, l'album paru finalement en avril 1976 sous le titre de Black And Blue. Premier album des Stones avec Ron Wood (qui est toujours là), Black And Blue permet-t-il de relancer le plus grand groupe de rock du monde vers les sommets qu'il avait atteint quelques années auparavant?

Si It's Only Rock N'Roll prétendait crânement n'être que du rock n'roll, Black and Blue en est finalement un peu l'opposé. Alors que les Stones semblent s'affaiblir de mois en mois, Mick Jagger et les siens décident de faire un choix radical. Revenir au blues (le Blue du titre), et s'ouvrir aux autres musiques noires (le black, qui peut aussi concerner le blues). Depuis quelques années déjà, Mick et Keith se sont pris d'affection pour la Jamaïque et pour le reggae. Surtout Keith d'ailleurs. Le funk est depuis quelques années à son apogée (James Brown, Funkadelic, Parliament). De quoi inspirer les Stones et les inciter à s'ouvrir à de nouveaux styles musicaux...

Ce qu'ils font indéniablement sur Black And Blue, album particulièrement hétéroclite dans leur discographie. Tout y passe : le funk (Hot Stuff ; Hey Negrita), le reggae (Cherry Oh Baby reprise d'Eric Donaldson), le rock (Hand of Fate ; Crazy Mama), les ballades (Memory Motel ; Fool To Cry) et même  le jazz (Melody). Avec plus ou moins de réussite cependant. La reprise reggae de Cherry Oh Baby est de l'avis général (que je partage) une horreur. De même j'ai beaucoup de mal avec le jazzy Melody, inspiré par Billy Preston et qui met en avant son piano, plutôt efficace mais qui s'accorde très mal avec le registre vocal de Mick. On dirait un mauvais pastiche...

Le groupe s'en sort (un peu) mieux avec les rocks Hand Of Fate et Crazy Mama. Non pas que ces deux morceaux soient du pur génie, surtout venant des Stones. Mais ils bénéficient d'une bonne production, de riffs honnêtes et de bons soli de guitare (même si on est loin de la flamboyance de Mick Taylor), qui les rendent rugueux et efficaces comme on aime chez eux. Même si forcément, comparés aux pépites de leurs discographies, Hand Of Fate et Crazy Mama n'ont rien d'indispensables et sonnent comme juste honnêtes...

La bonne surprise vient en fait des deux morceaux funk de l'album, Hot Stuff et Hey Negrita. Le premier surtout est une excellente surprise, tant les Stones parviennent à assimiler le son et la virtuosité de la section rythmique du funk. Le motif de basse qui revient en boucle est excellent (bien que répétitif, mais c'est inhérent à cette musique), les guitares un peu en retrait jouent parfaitement le style funk (énormes solos) et l'ensemble donne un morceau percutant et diabolique au possible. Le meilleur titre de l'album à mon goût et une excellente surprise. De même Hey Negrita, s'il est moins bon qu'Hot Stuff est un très bon titre, qui tire là encore bien profit de la section rythmique des Stones (les toujours impeccables Charlie Watts et Bill Wyman) et met les guitares à l'honneur. La voix hargneuse de Mick et le piano donnent un funk-rock méchant (les paroles) particulièrement jouissif, à en faire presque regretter que tout l'album n'ait pas exploré cette voie...

Restent les deux ballades, Memory Motel et Fool To Cry. Depuis Angie, les Rolling Stones s'étaient mis à dos une partie de leurs fans. Chose qui n'a surement pas dû s'améliorer avec ces deux chansons... Mais au demeurant je n'ai rien contre les ballades des Stones. La longue (7min07) Memory Motel s'en sort d'ailleurs tout à fait honorablement. Ce n'est pas Angie, Wild Horses ou Beast Of Burden, mais c'est une belle ballade assez émouvante à laquelle il ne manque peut-être finalement que la guitare de Mick Taylor... Je suis par contre nettement plus dubitatif sur Fool To Cry qui avait pourtant rencontré un certain succès en 45 tours à l'époque. Je ne sais pas si c'est l'overdose de guimauve (deux ballades en 8 morceaux quand même), ou la voix de falsetto de Mick Jagger qui ne colle pas du tout à mon oreille, mais j'accroche très modérément à Fool To Cry, que je trouve en plus atrocement répétitive.

Le bilan est donc assez mitigé pour ce Black and Blue qui dispose de quelques bonnes chansons (Hot Stuff, ; Hey Negrita ; Memory Motel), mais aussi et surtout de beaucoup de titres assez anodins voire mauvais (Cherry Oh Baby). On considère souvent cet album comme le premier raté des Stones. Ce n'est pas vraiment à proprement parler un raté, mais il est en effet nettement en dessous des albums qui l'entourent. Sans même parler de la période dorée du groupe, Black and Blue n'est pas à la hauteur de Goats Head Soup, It's Only Rock N'Roll,  The Rolling Stones - Some Girls (1978) ou Tattoo You (surtout ces deux derniers). D'ailleurs il est assez ironique que les deux meilleures chansons composées lors des sessions de Black And Blue soient Slave et Start Me Up, deux classiques des Rolling Stones... Qui se trouvent sur Tattoo You. Ce qui en dit long sur l'intérêt tout relatif de ce Black and Blue enregistré pendant une des périodes les plus noires (et bleue?) de l'histoire des Stones...

11/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.    

Tracks : All Shook Up ; Spanish Boots ; Girl From Mill Valley ; Jailhouse Rock ; Plynth (Water Down the Drain) ; The Hangman's Knee ; Rice Pudding

 

Lorsque sort Truth en 1968, Jeff Beck et son groupe (le bien nommé Jeff Beck Group), semblent avoir inventé une nouvelle forme de blues. Plus violent et puissant que jamais, le blues devient entre les mains de l'ancien guitariste des Yardbirds une ébauche de ce qu'on appellera par la suite le hard-rock. Pourtant écouté aujourd'hui, The Jeff Beck Group - Truth (1968) peut faire ciller. On est (très) loin de la violence du futur hard-rock, incarné ne serait-ce que par Deep Purple quelques années plus tard. L'album est bon, mais un peu dépassé. Mais en fait, ce coté un peu « obsolète » de Truth ne date pas d'hier. De l'aveu même de Jeff Beck d'ailleurs. Car le 12 janvier 1969, un de ses anciens camarades des Yardbirds publie avec son groupe son premier album, appelé Led Zeppelin. L'arrivée du zeppelin de plomb dans le ciel anglais modifie toute la donne, et en premier lieu celle de Beck. Propulsé par la frappe de pachyderme de Bonham, les hurlements de Robert Plant et les riffs de Jimmy Page, Led Zeppelin a même le culot de piquer des morceaux des anciens Yardbirds (Dazed And Confused), ou de reprendre le même titre de Willie Dixon qu'on trouvait déjà sur Truth (You Shook Me). Rien que l'écoute de cette reprise par le Jeff Beck Group, puis par Led Zeppelin illustre bien l'écrasante domination du dirigeable. De quoi énerver Jeff Beck, qui connait en plus très bien Jimmy Page. De quoi le motiver pour donner une bonne leçon à son meilleur ami/ennemi. C'est donc fou de rage qu'il réunit à nouveau son groupe (sans le batteur Micky Waller qui est remplacé ici par Tony Newman) et entre en studio pour enregistrer le successeur de Truth, capable de concurrencer Led Zeppelin sur son propre terrain. Ce qui donnera Beck-Ola, deuxième album du groupe illustré par La Chambre d'écoute de Magritte et qui paraît en juin 1969. Une sorte de réponse du berger à bergère. Mais Beck-Ola parvient-il à être aussi puissant et jouissif que le premier Led Zeppelin?

 

C'est une reprise du King, All Shook Up qui ouvre les hostilités. Pourtant le morceau est totalement méconnaissable ici, tant il est violent et abrasif. Sur Beck-Ola, le Jeff Beck Group devait sortir les muscles. Promesse tenue, tant le son de guitare est violent, sale et saturé. Beck, grand technicien devant l'éternel, se lâche complètement ici avec un son saturé et lourd qui pourrait presque faire rougir les Sonics. Le groove apporté par le piano d'Hopkins et la frappe de Newman permet aussi à Beck de nous livrer des solis fulgurants. Mais la plus grand surprise à mon goût vient du chant éraillé et extrêmement puissant de Rod Stewart. On est loin de son chant délicat qu'il avait sur Truth. Robert Plant est passé par là. Mais ma foi, Rod est convaincant dans ce domaine. A des années lumières de Plant, mais efficace quand même sur cette reprise d'Elvis. D'ailleurs l'album compte aussi une autre reprise du King : Jailhouse Rock. Celle-ci est nerveuse et puissante (comme tout l'album), mais on y retrouve la structure de la chanson originale, notamment grâce au piano très rock n'roll de Nicky Hopkins et grâce au chant moins éraillé de Stewart. Un excellent titre, même s'il est plus conventionnel qu'All Shook Up.

 

Pour le reste, Beck-Ola est composé de cinq compositions originales qui sont dans ce même ton, nerveux et puissant. La seule exception est le délicat Mill Valley, morceau instrumental au piano signé Nicky Hopkins. C'est la seule chanson douce et calme de l'album, proposant une ambiance feutrée et léchée entièrement menée par un superbe piano. Un petit régal, comme j'aurais peut-être aimé en trouver un autre sur l'album (pour contraster avec l'énergie du reste). Car les quatre autres compositions sont brutes de décoffrage, abruptes et musclées. Plynth (Water Down the Drain) est un titre qui n'a par exemple rien à envier à Deep Purple, tant le riff est lourd, le jeu de cymbales de Newman énergique et tant les solis sont précis et inventifs. La seule chose qui fait (un peu) la différence par rapport à un morceau de Deep Purple par exemple, c'est le piano plein de groove d'Hopkins, décidément un des pianistes les plus importants de l'histoire du rock. De quoi nous abreuver avec délice de ce hard-blues de (très) grande qualité, complété aussi par les imposants Spanish Boots et The Hangman's Knee, avant-dernier morceau de la galette qui va chasser Led Zeppelin directement sur son terrain.

Mais le meilleur, Beck l'a gardé pour la fin avec le long Rice Pudding qui est mon titre préféré de l'album. Ici chaque musicien montre l'étendue de son talent (même Ron Wood à la basse) et le morceau vire à une jam blues-hard inventive et surpuissante. Mais sans oublier la délicatesse lorsque vers 3min30 le piano d'Hopkins s'associe avec un Beck soudainement apaisé et délicat. La puissance sans oublier la finesse, l'énergie, mais avec le feeling... Jeff montre ainsi à Page et à Hendrix qu'ils ne sont pas les seuls à savoir maitriser les contrastes à la perfection. Message entendu d'ailleurs, puisque le voodoo chile reprendra un des riffs de Rice Pudding dans In From The Storm. Du berger à la bergère...

Avec Beck-Ola, l'ex-guitariste des Yardbirds montre qu'il peut être (presque) au niveau de ses concurrents de l'époque, qu'ils soient issus des Yardbirds (Clapton chez Cream ou Page avec Led Zeppelin), ou venus d'outre atlantique (Hendrix, déjà à son sommet en 1969). Car si Truth avait vite vieilli, Beck-Ola garde aujourd'hui encore une bonne partie de son impact et de son efficacité. Beck était très en colère, et Beck-Ola en est un fruit absolument délicieux, même si trop court (l'album original ne fait que 30 minutes, et la réédition n'apporte réellement que Sweet Little Angel, une reprise de B.B. King comme titre intéressant). Malheureusement, le Jeff Beck Group ne survivra pas à cet album, miné par les conflits d'égos (Rod Stewart et Ron Wood vont quitter le groupe juste après cet album pour rejoindre les Faces), et par une poisse à peine croyable (prévu à l'origine pour aller à Woodstock, le groupe a dû annuler sa venue). Tout comme quelque part, il ne survivra pas à la parution de Led Zeppelin - Led Zeppelin II (1969), quelques mois plus tard. Réponse de la bergère au berger... Reste un classique de son époque, témoignage d'un climat musical impressionnant et d'un groupe qui quelque part, avait quand même beaucoup de génie(s). Peut-être même trop.

16/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même.   

Tracks : Our Day Will Come ; Between the Cheats ; Tears Dry ; Will You Still Love Me Tomorrow ? ; Like Smoke ; Valerie ; The Girl From Ipanema ; Half Time ; Wake Up Alone ; Best Friends, Right ? ; Body And Soul ; A Song For You

Ce 23 juillet 2011, il y avait comme un parfum d'inéluctable qui flottait dans l'air. Comme si le destin s'était finalement imposé, sans réelles surprises. Amy Winehouse venait d'être retrouvée morte. La diva de la soul était partie. Victime de ses abus. L'autopsie dira quelques mois plus tard que c'est un « stop and go », une absorption massive d'alcool après une longue période d'abstinence, qui a mis fin à la vie de la jeune fille, à l'age maudit de 27 ans. Personne n'a malheureusement été vraiment étonné, moi le premier. Depuis 2007, tout le monde prophétisait la chute de cette chanteuse hors norme. Ce qui a bien eu lieu, à l'age le plus symbolique qui soit pour une musicienne, 27 ans. Comme tant d'autres avant elle (Kurt Cobain, Robert Johnson, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin et bien d'autres encore). Mais si la vie d'Amy trouvait là son triste épilogue, tous savaient d'ores et déjà que sa légende n'en était qu'à son commencement. C'est donc sans réelle surprise qu'à peine quelques mois après sa mort, nous apprenions la parution d'un nouvel album, retravaillé par les deux producteurs d'Amy (Mark Ronson et Salaam Remi) et destiné à être publié avant Noël. Aucune réelle surprise donc, à la sortie de ce Lioness : Hidden Treasures, mais beaucoup d'appréhension. Car l'exploitation des artistes post-mortem est souvent calamiteuse, comme en attestent des précédents comme Michael Jackson - Michael (2010), certains disques d'Hendrix, de Tupac ou de Bob Marley. Mais il existe aussi de jolies exceptions, comme le Pearl de Janis Joplin ou le Valleys Of Neptune d'Hendrix paru en 2010. Ce Lioness : Hidden Treasures est-il donc à ranger dans cette catégorie ou n'est-il qu'une supercherie uniquement commerciale?

Un rapide coup d'œil sur la composition du disque, ainsi que sur les dates d'enregistrement des titres permet d'éliminer l'hypothèse d'un « Pearl » pour Amy Winehouse. A la différence de Janis Joplin, lorsqu'Amy est morte, elle n'était pas en train de préparer un nouvel album studio. Seulement deux titres originaux sont postérieurs à 2007 et au succès phénoménal de  Amy Winehouse - Back To Black (2006) : Between The Cheats et Like Smoke. La première est un pur moment de soul avec des arrangements très riches et des chœurs masculins, sur lesquels se pose la voix de velours d'Amy, dans le plus pur style de Back To Black. Classe et efficace. Quant à la seconde, c'est probablement une des chansons les plus surprenantes de cette galette. On a en effet souvent fait remarquer (un peu à tort si on écoute Franck), que la soul d'Amy était « pure », sans métissage avec le hip-hop. Et bien sur Like Smoke, la voix soul d'Amy se pose sur des beats purement hip-hop et se livre à un duo/duel étonnant avec le rappeur Nas. C'est peut-être le morceau que j'aime le moins de l'album, mais il a au moins le mérite de montrer un autre visage de la chanteuse, plutôt innovant et assez intéressant.

Pour le reste il s'agit soit de versions alternatives de titres se trouvant sur Back To Black (Tears Dry On Their Own, ici dans une version plus lente et mielleuse avec un orchestre et Wake Up Alone, très sobre qui ne fait intervenir quasiment que la voix d'Amy), soit de titres originaux composés avant 2007 (Half Time et Best Friends Right?), soit de diverses reprises (Our Day Will Come ; Will You Still Love Me Tomorrow ? ; Valerie ; The Girl From Ipanema ; Body And Soul ; A Song For You).

Le meilleur est d'ailleurs plutôt à chercher du coté des reprises, qui constituent réellement les meilleurs moments du disque (même si les titres originaux et les versions alternatives des morceaux de Back To Black ne sont pas désagréables). Le titre d'ouverture Our Day Will Come, reprise de Ruby & The Romantics en version reggae, est par exemple un pur régal de groove et de classe. Les arrangement de Salaam Remi donnent une efficacité impressionnante à ce titre sur lequel Amy chante parfaitement, sans être (évidemment) à son sommet. Enregistrée à l'origine pour Franck, cette chanson aurait probablement dû s'y trouver, tant elle est belle et addictive... L'autre pépite, nettement plus connue, est Valerie, qu'Amy interprétait parfois en live et qu'on trouve aussi sur le deuxième album de Mark Ronson, Version paru en 2007. Le magasine Rolling Stone a dit de cette chanson qu'il s'agissait du seul enregistrement notable d'Amy depuis Back To Black, et la remarque est presque vraie, tant cette reprise est belle et efficace et le chant particulièrement impressionnant. En fait, la seule raison d'estimer que Valerie n'est pas sa seule bonne chanson enregistrée après Back To Black, c'est Body And Soul, dernier titre enregistré du vivant d'Amy avec le crooner Tony Bennett. Pur standard de jazz qui a été chanté par des grands noms comme Ella Fitzgerald, Billie Holiday ou Frank Sinatra, Body And Soul est ici une pure merveille de jazz orchestral, avec deux voix à leur sommet... La voix grave, profonde et parfaite de Bennett (quelle classe) et la noirceur de la voix d'Amy dévorée par ses addictions se marient ici sur le groove de l'orchestre dans une alchimie rare. Bien sur, le fait que ça soit le dernier titre enregistré par Amy aide à le faire entrer dans la légende, mais il est aussi réellement magnifique...

Les deux autres reprises, The Girl From Ipanema et A song For You valent surtout pour l'émotion qu'elles suscitent à présent. La première montre en effet la jeune Amy (le titre date de 2002) s'essayant pour la première fois à chanter en studio (moment d'émotion et de grâce purement candide, loin du désespoir d'un morceau comme Back To Black ou du cynisme d'un Rehab). La deuxième vaut surtout pour sa douceur mélancolique et ses paroles malheureusement prophétiques : « And when my life is over/Remember when we were together/we were alone and I was singing this song for you »...

Depuis la tombe, Amy chante en effet toujours pour nous. Espérons probablement pour la dernière fois, tant les fonds de tiroir semblent être minces. Lioness : Hidden Treasures est en effet révélateur sur ce point : lorsqu'Amy est morte, elle n'écrivait malheureusement presque plus, au contraire d'Hendrix ou de Janis Joplin. Néanmoins, ce disque s'en sort tout à fait honorablement, et même si l'intention commerciale est évidente, il permet au fan de pouvoir entendre quelques dernières pépites de la part de la diva de la soul... Rien d'exceptionnel, mais de très belles reprises (Valerie ; Body And Soul ; Our Day Will Come) et quelques titres originaux classes et plaisants (notamment Between The Cheats). Rien d'un nouveau Back To Black. Mais de quoi savourer une dernière fois avec beaucoup de plaisir cet énorme talent qui aura durablement marqué les années 2000...

14/20 (NB : La note exprime juste le plaisir que j’ai ressenti personnellement à l’écoute, non pas une note de la technique musicale, ou même de la valeur réelle de l’album en général. Elle permet juste d’indiquer mon échelle de plaisir ressenti ici.)
 
Moi-même. 

Avec un peu de retard (une sorte de coutume sur ce blog), nous vous souhaitons à tous et à tous ceux que vous aimez une bonne année 2012!

Année très fructueuse que 2011 musicalement, entre retour des poids lourds des deux dernières décennies, révélations et confirmations et bien sur, déceptions... Probablement la meilleure des trois années musicales qu'a connu le blog (2009, 2010, 2011), tant nous avons aimé l'actualité de cette année. De quoi nous faire partager nos coups de coeur et nos déceptions en toute subjectivité...

Ce que nous avons aimé :

- Kasabian - Velociraptor! (2011) : Toujours un peu relégués au second rang chez nous, les anglais de Kasabian frappent fort, très fort avec leur quatrième album. Un (très) grand disque de pop qui succède au déja très réussi West Ryder Pauper Lunatic Asylum, qui était un des meilleurs disques de 2009 pour nous. Des habitués donc.

- Bon Iver - Bon Iver (2011) : Si je devais citer ma révélation de l'année, mon choix se porterait sur le groupe de Justin Vernom qui signe un deuxième album onirique, entre richesse des arrangements et beauté fragile de la voix. Une invitation au voyage magistrale et un des trois meilleurs disques de l'année.

- Thurston Moore - Demolished Thoughts (2011) : La preuve que derrière les éclairs électriques furieux de Sonic Youth se cache un vrai songwriter, qui peut se faire délicat et tout simplement beau, sans se départir de son style unique.

- Tom Waits - Bad As Me (2011) : Probablement le meilleur disque du sieur Waits depuis Mule Variations. Auto-référencé, mais vu le niveau des références, on ne va pas s'en plaindre...

-Olafur Arnalds - Living Room Songs : Ce qui est bien avec ce compositeur de musique classique, c'est qu'il progresse à chaque livraison, ce qui en dit long sur la beauté de ce Living Room  après la beauté de "...And They Have Escaped The Weight Of Darkness". Enregistré en une semaine, l'EP propose 7 titres que vous pourrez télécharger gratuitement et légalement ici (link).

- Eddie Vedder - Ukulele Songs (2011) : Après la BO d'Into The Wild, le leader de Pearl Jam revient avec un second album solo uniquement accompagné d'un ukulélé. Surprenant, mais très beau et évocateur.

- Miles Kane - Colour Of The Trap (2011) : Émancipé des Rascals et des Last Shadow Puppets, Miles Kane frappe fort avec son premier album solo, supérieur à mon gout à Suck It And See de la bande de son meilleur pote Alex Turner. L'album classe et efficace made in UK, entre Lennon, T-Rex et Oasis.

- Björk - Biophilia : Un album étrange, mais finalement envoutant, avec quelques moments de faiblesse, mais aussi de vrais moments de grâce, un peu dans la lignée de Vespertine.

- Sigur Rós - Inni : Un simple live ? Oui, mais c'est le premier livre (hors l'EP Heim) donnant une idée de la magie du groupe islandais sur scène. Plus électrique qu'en studio, le groupe nous propose un post-rock absolument magistral ici.

- Agent Fresco - A Long Time Listenning : Découvert sur scène, ce quatuor islandais est d'une puissance difficillement égalable en live... Ainsi qu'en studio, comme le prouve A Long Time Listenning, leur premier album brut de décoffrage, me rappellant parfois la fraicheur de Showbizz, le premier album de Muse. Peut-être même en mieux. Affaire à suivre.

- Mogwai - Hardcore Will Never Die, But You Will : Je connais mal l'oeuvre de ces écossais, mais leur dernier album est assurément un retour au sommet pour un post-rock oscillant toujours entre la furie électrique et les ambiances léchées et calmes.

Ce qui nous a déçu :

- Justice - Audio, Video, Disco (2011) : Leur premier album Cross avait attiré mon attention sur ce groupe phare de la French Touch. Mais son successeur n'est pas à la hauteur de ce que j'attendais du groupe, qui innove, mais se perd en chemin à mon gout.

- Beady Eye - Different Gear, Still Speeding (2011) : Oasis sans Noël Gallagher, ou la chronique d'un échec écrit d'avance. Le groupe a réussi à susciter mon attention sur quelques chansons avant la sortie de l'album. Mais une fois la galette écoutée, l'espoir n'a pas duré, même si ce n'est pas aussi catastrophique que ça aurait pu l'être.

- SuperHeavy - SuperHeavy (2011) : Deux concurrents sérieux au titre de pire disque de l'année. Celui-ci est le favori pour ce titre. Désolé Mick...

- Lou Reed & Metallia - Lulu : Voici l'autre concurrent à ce titre de plus mauvais disque de l'année. Pourtant j'adore l'univers de ces deux artistes, mais là... Le pire, c'est que mieux produit et travaillé, la rencontre aurait pu être belle.

- Metronomy - The English Riviera : Pas vraiment une déception, mais la hype autour de ce groupe (les Inrocks, Libération) m'a forcé à revenir y poser une oreille à plusieurs reprises. J'ai systématiquement été déçu, trouvant le disque insipide et plat.

Restent des albums sympathiques que nous n'avons pas mentionné (The King Of Limbs de Radiohead ; Let Them Talk D'Hugh Laurie, Go Tell Fire To The Mountain de WU LYF ou Lioness : Hidden Treasures d'Amy Winehouse, Angles des Strokes), mais qui ont aussi marqué 2011. A noter aussi pour nous un superbe concert de Roger Waters interprétant The Wall à Bercy, véritable choc de l'année ( [Concert] Roger Waters Plays The Wall Paris 01/07/2011 ).

En espérant pour 2012 une nouvelle livraison studio de Sigur Rós, un nouvel album de For A Minor Reflection, sorte de Mogwai islandais, un éventuel nouveau Muse, une reformation des Rolling Stones pour leurs cinquante ans et un retour du show The Wall de Roger Waters en Europe. Et surtout une bonne année pour vous tous, ami(e)s lecteurs/lectrices!

Et vous, qu'avez-vous aimé en 2011?

Moi-même et Nizouille.